ジャズギターを始めようとしたとき、多くの人が最初に迷うのが「フルアコとセミアコ、どちらを選ぶか」ではないでしょうか。見た目はよく似ていますが、構造も音も得意分野もはっきり異なります。本記事では、フルアコとセミアコの違いを構造・音・ハウリング耐性・ジャンル適性の観点から整理し、最後に各タイプのおすすめモデルを3本ずつ紹介します。

フルアコとセミアコの違いは「センターブロック」にある

フルアコ（フルホロウボディ）とは

ボディ内部が完全に空洞のエレキギターです。アーチを描いたトップにfホール、という組み合わせが伝統的なスタイルで、アンプを通さなくてもある程度の音量で鳴ってくれます。ボディ厚はモデルにより7〜9cmほどの深胴が定番で（Gibson ES-175やL-5は約8.5cm）、この豊かな「箱鳴り」こそがジャズトーンの源になっています。

セミアコ（セミホロウボディ）とは

見た目は空洞ボディですが、ボディ中央に「センターブロック」と呼ばれる木材が貫通しているのが最大の違いです。空洞なのはブロックの両脇だけで、いわばソリッドギターとフルアコの中間的な構造。元祖は1958年発表のGibson ES-335で、薄胴＋ダブルカッタウェイが典型的なスタイルです。

豆知識：「薄いからセミアコ」とは限らない

Epiphone CasinoはES-335とよく似た見た目ですが、センターブロックのないフルホロウ構造、つまり薄胴のフルアコです。「薄い＝セミアコ」ではなく、センターブロックの有無で区別すると覚えやすいと思います。

音とハウリング耐性を比較

フルアコは空洞ボディがアンプの音圧で共振するため、大音量や歪みではハウリングしやすくなります。アンプから離れる・向きを変える・音量を抑えるといった対策はありますが、基本的にはクリーン中心の小〜中音量が得意なギターです。一方のセミアコはセンターブロックのおかげでハウリングに強く、歪ませてもコントロールしやすいのが魅力です。

ジャンル適性の違い

• フルアコ：ビバップやスウィングなど伝統的なジャズ、バラード、ソロギター、ボーカル伴奏。ロカビリー系でも活躍
• セミアコ：ジャズ全般に加えて、ブルース、フュージョン、ソウル/R&B、ロックまで幅広く対応。歪みに強いためジャズファンクやコンテンポラリー系にも向く

「ジャズ一本に絞るならフルアコ、ジャズもそれ以外も弾きたいならセミアコ」というのが昔からの定番の整理です。

有名ジャズギタリストはどちらを使っている？

フルアコ派の代表格はウェス・モンゴメリー。Gibson L-5 CESを愛用し、初期にはES-175を弾いていました。ジョージ・ベンソンは、Ibanezと開発した小型フルアコGB10を1977年から使い続けています。

セミアコ派では、Gibson ES-335を愛用し「Mr.335」の異名を持つラリー・カールトンが有名です。ジョン・スコフィールドも1981年製のIbanez AS200を40年以上にわたって愛用しています。

初心者はどちらを選ぶべき？

• フルアコが向いている人：伝統的なジャズトーンに憧れがある人。生音が大きいので、アンプを使わない自宅練習が中心の人にも
• セミアコが向いている人：ジャズ以外のジャンルも弾きたい人、バンドで大きな音を出す人、ハウリングに悩みたくない人。薄胴で抱えやすいのも利点です

どちらが正解ということはありませんが、「ジャズ専門でいく決意が固まっているならフルアコ、迷いがあるならセミアコ」と考えると選びやすいのではないでしょうか。

タイプ別おすすめモデル

※価格は2026年8月時点の実売目安です。為替や時期により変動します。

フルアコのおすすめ3本

Ibanez AF75（実売7万円前後）

Ibanez アイバニーズ AF75 BS フルアコ Brown Sunburst エレキギター

価格帯：69,740円〜70,125円前後（楽天市場）

低価格帯で「きちんと箱鳴りするフルアコ」として定番のエントリーモデル。完全空洞のフルホロウボディ（厚さ約7cm）にハムバッカー2基を搭載し、最初の1本として名前が挙がることの多いモデルです。

Ibanez AF95（実売10〜11万円前後）

Ibanez Artcore Expressionist AF95-DA (Dark Amber)

価格帯：103,125円前後（楽天市場）

Artcore Expressionistシリーズの中級機。ヴィンテージ系トーンで定評のあるSuper 58ピックアップを搭載し、国内で入手しやすい中級フルアコの代表格です。

Eastman AR372CE（実売19〜20万円前後）

ES-175系の実用派ジャズボックス。合板（ラミネート）ボディはハウリングに比較的強く、アンプで弾くジャズには合理的な選択です。手工感のある作りでコストパフォーマンスの評価も高い1本です。

セミアコのおすすめ3本

Ibanez AS73（実売7万円台）

Ibanez アイバニーズ AS73 TCD セミアコ エレキギター Transparent Cherry Red

価格帯：73,700円〜74,800円前後（楽天市場）

「手頃なのに使える」と定評のあるエントリーセミアコ。甘めのハムバッカーとややふっくらしたネックで、単音弾きにもコードワークにも馴染みます。

Epiphone ES-335（実売7〜9万円前後）

Epiphone エピフォン ES-335 Vintage Sunburst セミアコ エレキギター

価格帯：71,280円〜84,700円前後（楽天市場）

本家Gibson監修の「Inspired by Gibson」ライン。元祖セミアコの設計をこの価格帯で味わえる、最初のセミアコの定番です。

YAMAHA SA2200（実売27〜28万円前後）

YAMAHA ヤマハ SA2200 VS 国産 セミアコ Violin Sunburst エレキギター

価格帯：279,620円〜313,500円前後（楽天市場）

国内生産にこだわった日本製セミアコ。トーンノブを引き上げるだけでハムバッカーからシングルコイルに切り替えられる「バイサウンドシステム」を備え、丁寧な作りで長年支持されている定番機です。

まとめ

• フルアコは完全空洞、セミアコはセンターブロック入り。ここが最大の違い
• 甘く温かい伝統的なジャズトーンならフルアコ、ハウリングに強く守備範囲が広いのはセミアコ
• ジャズに絞るならフルアコ、幅広く弾きたい・大きな音で弾くならセミアコが選びやすい

どちらを選んでも、ジャズギターらしい「箱物の温かい音」は味わえます。予算と弾きたい音楽をイメージしながら、じっくり選んでみてください。

「ジャズを弾いてみたいけれど、どのギターを選べばいいのかわからない」。そんな初心者の方に向けて、この記事では予算別（5万円以下／5〜10万円／10〜20万円／20万円以上）におすすめのギターを具体的なモデル名で紹介します。ジャズの王道であるフルアコ・セミアコを中心に、それぞれの特徴と選び方のポイントも整理しました。なお、価格は為替やメーカーの価格改定で変動するため、あくまで執筆時点の目安としてご覧ください。

まず知っておきたい3つのボディ構造

ジャズで使われるギターは、ボディ構造で大きく3タイプに分かれます。

「ジャズのあの音」を最短で目指すならフルアコ、幅広いジャンルも視野に入れるならセミアコ、というのが大まかな目安です。テレキャスターでジャズを弾いた名手（エド・ビッカートやジュリアン・ラージなど）もいるので、ソリッドが不正解というわけではありません。

予算5万円以下：まずは「箱物の音」に入門

Ibanez AS53（セミアコ）

実売4〜5万円前後。この価格帯でセミホロウの音に入門できる定番モデルです。軽量で扱いやすく、最初の1本として無理がありません。

Ibanez AF55（フルアコ）

実売4〜5万円前後。「5万円以下で買える完全中空」という貴重な存在で、温かいトーンに定評があります。深い箱鳴りまでは求めすぎず、フルアコの雰囲気を体験する1本と考えるとよいでしょう。

なお、実売3〜5万円前後のソリッドギター（ヤマハPACIFICAやSquierのテレキャスター系）でも、ジャズの練習は十分始められます。

予算5〜10万円：長く使える定番がそろう激戦区

Ibanez AS73（セミアコ）

実売6〜7万円台。ES-335系シェイプの入門〜中級機として長年支持されるモデルで、AS53からの順当なステップアップ先です。

Ibanez アイバニーズ AS73 TCD セミアコ エレキギター Transparent Cherry Red（楽天市場）

価格帯: 約73,700円〜（楽天市場・執筆時点）

Epiphone ES-335（セミアコ）

実売7〜8万円台。セミアコの元祖Gibson ES-335の設計を手頃な価格で体験できる大定番です。ラリー・カールトンに代表される335系トーンの入口としておすすめです。

Epiphone エピフォン ES-335 Vintage Sunburst セミアコ エレキギター（楽天市場）

価格帯: 約71,280円〜（楽天市場・執筆時点）

Epiphone Joe Pass Emperor II Pro（フルアコ）

実売7〜9万円前後。ソロギターの巨匠ジョー・パスのシグネチャーで、「ジャズ入門フルアコ」の世界的定番です。人気モデルのため在庫は流動的です。

このほか、フルアコならIbanez AF75（実売5.5〜7万円前後）、小ぶりで抱えやすいAG75G、個性派ならGretsch G2420 Streamlinerも候補になります。

予算10〜20万円：本格フルアコに手が届く

Epiphone Broadway（フルアコ）

実売11〜15万円前後。17インチ級の大型ボディを持つ歴史あるモデルの系譜で、王道ルックスと深い箱鳴りが魅力です。スケールがやや長め（25.5インチ）で大柄なので、体格との相性は確認したいところです。

Epiphone エピフォン Broadway Dark Wine Red フルアコ エレキギター（楽天市場）

価格帯: 約117,700円〜（楽天市場・執筆時点）

Ibanez GB10SE（フルアコ）

実売15〜20万円前後。ジョージ・ベンソンの名機GB10の思想を受け継ぐ普及版です。小さめボディでハウリングに強く、初心者でも抱えやすい「ジャズ専用機」といえます。相場によっては20万円を超える場合もあります。

Ibanez GB10SE BS（ジョージ・ベンソン・モデル）（楽天市場）

価格帯: 約198,000円〜（楽天市場・執筆時点）

このほか、ES-175系の丁寧な作りで評価の高いEastman AR372CE（実売19〜20万円前後）、フローティングPUで生鳴りを活かせるD’Angelico Premier EXL-1（実売10〜14万円前後）も有力候補です。

予算20万円以上：一生モノを選ぶ

ヤマハ SA2200（セミアコ・日本製）

実売27〜31万円前後。美しいフレイム杢と国産らしい丁寧な作りで、「一生モノのセミアコ」として選ばれるモデルです。コイルタップ搭載で音のバリエーションも広く、フュージョン系にも対応できます。

YAMAHA ヤマハ SA2200 VS 国産 セミアコ Violin Sunburst エレキギター（楽天市場）

価格帯: 約279,620円〜（楽天市場・執筆時点）

そのほかの憧れモデル

• Gibson ES-335（実売45〜55万円前後）: セミアコの元祖にして金字塔。2026年には年代別仕様の「ES-335 50s」「ES-335 60s」の2モデル体制に刷新されています
• Ibanez GB10（実売32〜43万円前後）: 1977年から続くジョージ・ベンソン・モデルの本家で、Ibanez初のシグネチャーモデルでもあります
• Gibson L-5 CES（新品は100万円超が通常）: ウェス・モンゴメリーの愛器として知られるフルアコの最高峰。「いつかはL-5」という憧れの1本です

購入後にできる「ジャズの音」への近道

• フラットワウンド弦に交換する: 弦を替えるだけで、まろやかなジャズトーンにぐっと近づきます
• アンプはクリーン主体で十分: 歪みは基本使わないので、クリーンがきれいな小型アンプで問題ありません
• フロントPU＋トーンを少し絞る: どのギターでも試せる、ジャズらしい音作りの基本です

まとめ

予算5万円以下ならIbanez Artcoreシリーズで箱物の音に入門し、5〜10万円ならEpiphoneやIbanezの定番でステップアップ、10万円を超えると本格フルアコが視野に入ってくる、というのが大まかな地図です。最初の1本に正解はありませんが、「弾きたい音のイメージ」に近い構造（フルアコかセミアコか）から選ぶと後悔が少ないはずです。気になるモデルが見つかったら、ぜひ楽器店やサウンドサンプルで音を確かめてみてください。

ラーゲ・ルンドとは？（人物紹介記事）を読んで興味を持った方に、まず手に取ってほしい代表作。この記事では、録音の背景から全曲の聴きどころまで掘り下げていきます。

アルバム基本情報

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どんなアルバム？

『Terrible Animals』は、ルンドがオランダの名門レーベル、クリス・クロス（Criss Cross Jazz）から発表した5作目のリーダー作です。レーベル自身が「最も作曲的に野心的で、大胆に演奏された作品」と紹介する1枚で、全10曲がルンドのオリジナル。総演奏時間は約68分に及びます。

注目したいのは、この録音のために新たに組まれたリズム・セクションです。ピアノは、ルンドと同じくセロニアス・モンク・コンペティション（ピアノ部門）を制したサリヴァン・フォートナー。ベースは、ブラッド・メルドー・トリオで知られるラリー・グレナディア。ドラムは、のちにピューリッツァー賞候補やマッカーサー賞で知られることになる作曲家でもあるタイショーン・ソーリー。世代もバックグラウンドも異なる名手たちが、ルンドの書いた曲のために集まりました。

録音は2018年4月26日、ニューヨークにて。プロデューサーはレーベル創設者のジェリー・ティーケンス、録音・ミックス・マスタリングはエンジニアのマイケル・マルチャーノが手がけました。CDは2019年2月15日にリリースされ（カタログ番号CRISS 1402 CD）、2023年7月には2枚組LPとしてリイシューされています。

トリオ編成だった前作『Idlewild』（2015年）と比べると、サウンドは「より洗練された」と評されます。英UK Vibe誌は5点満点中4点を付け、「ソロはクールで流麗、魅惑的。現代最高峰のギタリストの一角」と絶賛。JazzTimesなどの主要誌でもレビューされ、現代ジャズギターの必聴盤として定着している作品です。

参加メンバー

• ラーゲ・ルンド（ギター、エフェクト）
• サリヴァン・フォートナー（ピアノ）
• ラリー・グレナディア（ベース）
• タイショーン・ソーリー（ドラムス）

4人のうち2人がモンク・コンペティションの優勝者（ルンドがギター部門、フォートナーがピアノ部門）という顔ぶれです。ギターとピアノが同居するカルテットは音がぶつかりやすい編成ですが、空間を活かすルンドのスタイルもあって、風通しの良いアンサンブルが楽しめます。

全曲解説

全10曲、すべてラーゲ・ルンドのオリジナルです。1曲ずつ聴きどころを紹介します。

1. Hard Eights

アルバムの幕開けを飾るオープナー。サイコロ賭博の用語を思わせるタイトルどおり、一筋縄ではいかない仕掛けを感じさせる曲です。冒頭から、このカルテットの反応の速さと、ルンド特有の浮遊感のあるハーモニーが顔をのぞかせます。まずはギターとフォートナーのピアノの絡みに耳を傾けてみてください。

2. Aquanaut

「潜水士」を意味するタイトルが、水中を漂うようなルンドのハーモニー感覚と響き合う一曲。エフェクトを溶け込ませたギターの音色と、グレナディアの深いベースが作る空間をじっくり味わいたいところです。

3. Suppressions

「抑圧」を意味するタイトルは、音数と音量を抑えて間を活かす、ルンドの「抑制の美学」を象徴しているようにも聞こえます。派手さではなく、囁くような音のやり取りの中に生まれる緊張感に注目してみてください。

4. Haitian Ballad

タイトルに「バラード」を冠したナンバー。ルンドのバラード表現は、甘さよりも静けさと陰影が持ち味です。温かくクリーンなトーンで紡がれるメロディを軸に、カルテットの繊細なサポートとあわせて味わいたい一曲です。

5. Ray Ray

誰かの愛称のような、親しみを感じさせるタイトルのナンバー。肩の力の抜けたタイトルを入り口に、4人の会話のようなインタープレイ（相互反応）へ耳を澄ませたい一曲です。

6. Octoberry

「October（10月）」と「berry（ベリー）」を掛け合わせたような造語タイトル。曲想を限定しない抽象的なタイトルの付け方に、作曲家ルンドのセンスが表れています。聴き手それぞれのイメージをふくらませて楽しみたいところです。

7. Brasilia

ブラジルの首都の名を冠したナンバーです。タイトルから想像をふくらませつつ、それがルンド流のフィルターを通るとどんな響きになるのか、タイトルとサウンドの距離感を確かめながら聴くのも一興です。

8. Take It Eas

「Take It Easy」の誤植ではありません。最後の一文字が欠けた「Take It Eas」が、レーベル公式サイトとBandcampで一致する正式表記です。この人を食ったようなタイトル感覚に、ルンドのさりげないユーモアがうかがえます。

9. Terrible Animals

アルバム後半に置かれた表題曲。「恐ろしい動物たち」という不穏なタイトルを、静かで思索的な音楽を作るルンドが表題に選んだところが面白い一曲です。アルバム全体の空気を象徴する存在として、じっくり向き合ってみてください。

10. We Are There Yet

アルバムを締めくくるクローザー。英語の定番フレーズ「Are we there yet?（まだ着かないの？）」の語順を入れ替えたようなタイトルで、「私たちはもう着いている」とも読める言葉遊びが印象的です。約68分の旅の終着点として置かれた一曲です。

聴きどころ

まず耳を奪われるのはギターの音色です。温かくクリーンなトーンにエフェクトがさりげなく溶け込み、どこまでが生音でどこからがエレクトロニクスなのか、境目を感じさせません。UK Vibe誌が「エフェクトの使い方は常にクールでシームレス」と評したとおり、飛び道具ではなく音色の一部として機能するエフェクトは、本作の大きな聴きどころです。

もうひとつは作曲の面白さ。スタンダード曲に頼らず、全曲オリジナルで約68分を聴かせる構成は、レーベルが「最も作曲的に野心的」と紹介するだけのことはあります。浮遊感のあるハーモニーの上でフォートナー、グレナディア、ソーリーがどう反応していくのか。コンポジションとインプロヴィゼーションの境目を探りながら聴くのが、本作の贅沢な楽しみ方です。

こんな人におすすめ

• カート・ローゼンウィンケル以降の現代ジャズギターを追いかけている人…その系譜を語るうえで欠かせない1枚です。
• ジュリアン・ラージやギラッド・ヘクセルマンが好きな人…同時代に並び称される名手の代表作として、聴き比べが楽しめます。
• スタンダードよりオリジナル曲主体の現代ジャズを聴きたい人…全10曲がルンドの書き下ろしです。
• 静かに聴き込める1枚を探している人…音数を抑えた思索的な演奏は、夜のリスニングによく合います。

まとめ

『Terrible Animals』は、モンク・コンペティション優勝者2人を含む世代横断のカルテットで、ラーゲ・ルンドが作曲家・ギタリストとしての評価を決定づけた代表作です。派手なクライマックスで畳みかけるタイプのアルバムではありませんが、聴くたびに新しい響きが見つかる奥行きがあります。まずは冒頭の「Hard Eights」から、霧のかかったようなハーモニーの世界に足を踏み入れてみてください。人物像やほかのアルバムについてはラーゲ・ルンドとは？（人物紹介記事）もあわせてどうぞ。

関連記事

• ラーゲ・ルンドとは？（人物紹介記事） … 経歴・スタイル・おすすめ名盤をまとめています。
• カート・ローゼンウィンケル（人物紹介記事） … 現代ジャズギターの潮流を作った名手です。
• ギラッド・ヘクセルマン（人物紹介記事） … ルンドと同時代のニューヨークを代表するギタリストです。
• ジュリアン・ラージ（人物紹介記事） … 名前は似ていますが別人。あわせて聴きたい現代の名手です。

ラリー・コリエルとは？（人物紹介記事）で紹介した「フュージョンのゴッドファーザー」の代表作を、録音の背景から全曲の聴きどころまで掘り下げていきます。

アルバム基本情報

どんなアルバム？

『Spaces』のセッションに集まったのは、マイルス・デイヴィスの電化セッション帰りの精鋭たちでした。コリエル自身、「初日は奇妙だった。チックとビリーとジョンはマイルスのセッションから来たばかりだった」と回想しています。実際、初日は演奏がうまく噛み合わず、最終テイクの大半は2日目に録られたそうです。なお、このセッションからは「Tyrone」「Planet End」の2曲がお蔵入りとなり、後に1975年の『Planet End』に収録されました。

意外なのはその音です。オールスターのエレクトリック布陣にもかかわらず、内容はクリーントーン主体の室内楽的な演奏が中心。轟音で押すのではなく、2本のギターが対位法的に絡み合う繊細なアンサンブルこそが本作の顔です。同時期の『ビッチェズ・ブリュー』が混沌のエネルギーでフュージョンの扉を開けたとすれば、『Spaces』は端正なインタープレイで同じ扉を別の角度から開けた作品といえます。

発売当初の評価はまちまちでしたが、再発盤が約25万枚を売るヒットになったとされ（Wikipedia英語版の記述）、時間の経過とともに評価を高めていきました。参加者たちがその後フュージョン全盛期の主役級バンドを次々と旗揚げしたことから、今では「フュージョンの見取り図」のような歴史的価値を持つ一枚とされています。

参加メンバー

• ラリー・コリエル（ギター）…全曲に参加。本作の主役です。
• ジョン・マクラフリン（ギター）…1、2、4、5曲目に参加。翌年マハヴィシュヌ・オーケストラを結成します。
• チック・コリア（エレクトリックピアノ）…5曲目「Chris」のみ参加。のちのリターン・トゥ・フォーエヴァーの総帥。
• ミロスラフ・ヴィトウス（ベース）…1、3、4、5曲目に参加。ウェザー・リポートの創設メンバーとなります。
• ビリー・コブハム（ドラムス）…1、3、4、5曲目に参加。マクラフリンとともにマハヴィシュヌ・オーケストラへ。

この5人が一堂に会した録音は、フュージョン史を後から振り返るうえでも貴重な記録です。

全曲解説

1. Spaces (Infinite)（作曲：ジュリー・コリエル）

幕開けはアルバムの表題曲。作曲は当時の妻ジュリー・コリエルのクレジットです（データベースによってはラリー名義とするものもあります）。コリエルとマクラフリンの2本のギターに、ヴィトウスとコブハムのリズム隊が加わるカルテット編成で、本作の核であるクリーントーンのツインギターの絡みをまず提示する一曲です。

2. Rene’s Theme（作曲：ルネ・トーマ）

ベルギーのジャズギタリスト、ルネ・トーマの作品を、コリエルとマクラフリンのアコースティックギターデュオで演奏したトラック。トーマへのトリビュートであり、リズム隊抜きで2人の技巧と反応の速さが裸のまま味わえる、ギターファン必聴の一曲です。

3. Gloria’s Step（作曲：スコット・ラファロ）

ビル・エヴァンス・トリオの名演で知られるスコット・ラファロ作の名曲。ここではマクラフリンは参加せず、コリエル、ヴィトウス、コブハムのトリオで演奏されます。ジャズベース史に残る作曲家の楽曲をヴィトウスのベースとともに聴けるという意味でも、選曲の妙が光ります。

4. Wrong Is Right（作曲：ラリー・コリエル）

コリエルのオリジナル。マクラフリンを含むカルテット編成に戻り、2本のギターの応酬が展開されます。角の立ったラインで攻めるコリエルと、鋭く切り込むマクラフリン。2人の個性の違いを聴き比べる楽しみがあります。

5. Chris（作曲：ジュリー・コリエル）

チック・コリアが参加する唯一のトラックで、本作で最も豪華な5人編成。エレクトリックピアノが加わることで、アルバムの中でもひときわ色彩感のある響きになっています。のちのフュージョンの主役たちの共演を、この1曲に凝縮して聴くことができます。

6. New Year’s Day in Los Angeles — 1968（作曲：ラリー・コリエル）

アルバムを締めくくるのは、コリエルひとりによるごく短いソロ小品。長い余韻を残さず、ふっと幕を下ろすようなエンディングです。

聴きどころ

最大の聴きどころは、やはりコリエルとマクラフリンのツインギターの対位法的な絡みです。エレクトリック編成ながらクリーントーン主体で、2本のラインが重なり、離れ、また交差する様子は室内楽のよう。フュージョン＝轟音というイメージで聴くと、良い意味で裏切られます。

また、コリエルの土台にはウェス・モンゴメリー直系のメロディックなフレージングがあり、ロック的な熱量とジャズの歌心が同居しているのも本作の魅力。「Rene’s Theme」のアコースティックデュオから「Chris」の5人編成まで、曲ごとに編成が変わるため、メンバーの組み合わせの変化を追いながら聴くのも一興です。

こんな人におすすめ

• フュージョンの起源に興味がある人…マハヴィシュヌ、リターン・トゥ・フォーエヴァー、ウェザー・リポートの「前夜」を記録した一枚。歴史の分岐点を聴けます。
• ジョン・マクラフリンのファン…マハヴィシュヌ結成直前のプレイを、コリエルとの対比で楽しめます。
• 激しい音が苦手でフュージョンを敬遠してきた人…クリーントーン主体の室内楽的な演奏が中心なので、ギターデュオやトリオが好きな人にも入りやすい内容です。
• ギターのインタープレイを聴き込みたい人…2本のギターの役割分担と会話は、コピーや分析の題材としても一級品です。

まとめ

『Spaces』は、のちのフュージョンを担う才能が一室に集まり、轟音ではなく端正なインタープレイでジャンルの扉を開けた歴史的名盤です。ラリー・コリエルというギタリストの美点——ロックの熱量とジャズの歌心の同居——が最も美しい形で記録された一枚でもあります。フュージョン入門にも、ギターアンサンブル研究にもおすすめです。あわせてラリー・コリエルとは？（人物紹介記事）も読めば、本作がキャリアのどんな位置にあるのかがより立体的に見えてくるはずです。

関連記事

• ラリー・コリエルとは？（人物紹介記事）
• ジョン・マクラフリン（人物紹介記事）
• アル・ディ・メオラ（人物紹介記事）
• マイク・スターン（人物紹介記事）

基本プロフィール

経歴

ピアノからギターへ、そしてニューヨークへ

1943年、テキサス州ガルベストンに生まれ、ワシントン州リッチランドで育ちます。4歳でピアノを始め、10代でギターに転向。影響を受けたのはレス・ポール、ジョニー・スミス、バーニー・ケッセル、そして特にウェス・モンゴメリーでした。1965年9月にニューヨークへ移住し、マンネス音楽学校で学びながら、チコ・ハミルトンのクインテットにガボール・ザボの後任として参加。ここからプロとしてのキャリアが本格化します。

ジャズロック最初期の実験

1966年、史上最初期のジャズロックバンドとされるフリー・スピリッツ（The Free Spirits）を結成し、唯一作『Out of Sight and Sound』を録音します（1967年にABCから発売）。1967～68年にはゲイリー・バートン・カルテットに参加し、『Duster』（1967年）などでジャズとロックの融合をいち早く提示しました。同じ時期にジミ・ヘンドリックスやクリームのライブに衝撃を受けたことも、後のスタイルに大きく影響しています。1969年にはVanguardからソロデビュー作『Lady Coryell』（1968年録音）を発表し、続けて『Coryell』をリリースしました。

『Spaces』とイレヴンス・ハウス

1970年、ジョン・マクラフリンらと録音した『Spaces』を発表。のちに「フュージョン前夜の金字塔」と呼ばれる重要作です。1971年には『Barefoot Boy』を、ジミ・ヘンドリックスが作ったエレクトリック・レディ・スタジオで録音しました（エンジニアはエディ・クレイマー）。1973年にはドラマーのアルフォンス・ムザーンとイレヴンス・ハウス（The Eleventh House）を結成し、翌1974年の『Introducing the Eleventh House』でフュージョン全盛期の一角を担います。

アコースティック転向と晩年

1979年にはアコースティックへ大きく舵を切り、ジョン・マクラフリン、パコ・デ・ルシアとの「ギター・トリオ」でヨーロッパをツアーします（1979年2月のロイヤル・アルバート・ホール公演など）。フィリップ・カテリーンとのデュオでも活動しました。私生活では1981年にアルコールとヘロインの依存症を克服し、以後は日蓮系仏教の信仰を持ちます。1982～83年にはストラヴィンスキーの三大バレエをソロギターで録音するという離れ業も成し遂げました。1985年にはエミリー・レムラーとのデュオ作『Together』を発表。以後もメインストリームジャズからフュージョンまで、多作なキャリアを続けます。2017年2月19日、ニューヨークのジャズクラブ「イリジウム」での週末2公演を務めた直後、滞在先で就寝中に死去。73歳、最後まで現役のままの幕引きでした。

音楽的特徴・スタイル

コリエルのスタイルを一言でいえば「雑食」。ジャンルの壁を最初から意識していないような音楽性が持ち味です。

• ロック×ビバップの最初期スタイル…ヘンドリックスやクリーム由来の歪みと熱量に、ビバップのジャズ語彙を重ねる奏法。「フュージョン」という言葉が生まれる前からの実践者でした。
• エレクトリックとアコースティックの両刀…轟音のサステインからチェンバー（室内楽）的なフィンガースタイルまで、振り幅は極端に広い。
• ウェス直系のメロディ感覚…ウェス・モンゴメリー譲りのメロディックなフレージングを土台に、カントリーやブルースの語法も混ざります。
• クラシックやインド音楽への貪欲さ…ストラヴィンスキー、バルトーク、ドビュッシーからインド音楽まで取り込む音楽性。三大バレエのソロギター録音はその代表例です。
• アグレッシブなピッキング…高速で角の立ったラインが真骨頂。一方で『Spaces』ではクリーントーンでマクラフリンと絡む対位法的なツインギターも聴かせます。

代表アルバム

代表作を年代順に紹介します。まず1枚選ぶなら、フュージョン史の転換点となった『Spaces』がおすすめです。

『Lady Coryell』（1969年発売）

Vanguardからのソロデビュー作（1968年録音）。ジャズロック黎明期の空気をそのまま閉じ込めた出発点で、コリエルの原点を知るならここからです。

『Spaces』（1970年発売）

ジョン・マクラフリン、チック・コリア、ミロスラフ・ヴィトウス、ビリー・コブハムという、のちのフュージョンを担う面々が集結した歴史的名盤。詳しくは『Spaces』徹底解説（アルバム紹介記事）で掘り下げています。

『Barefoot Boy』（1971年発売）

Flying Dutchmanからの一枚。エレクトリック・レディ・スタジオ録音で、エンジニアはエディ・クレイマー。コリエルのロック色が最も強く出た作品です。

『Introducing the Eleventh House』（1974年発売）

自身のフュージョンバンド、イレヴンス・ハウスの初作。フュージョン全盛期のエネルギーを体感できます。

『Together』（1985年発売）

エミリー・レムラーとのギターデュオ作（Concord）。エレクトリック期とはうって変わった、メインストリームジャズの落ち着いた対話が味わえます。

影響・評価

コリエルは「フュージョンのゴッドファーザー」と広く呼ばれ、NPRやMusicRadarの追悼記事でもこの称号で報じられました。1966年のフリー・スピリッツは、マイルス・デイヴィスの電化より前にジャズとロックを融合した最初期の試みです。そして『Spaces』の参加者たちは、その後マハヴィシュヌ・オーケストラ、リターン・トゥ・フォーエヴァー、ウェザー・リポート、イレヴンス・ハウスを率い、フュージョン全盛期を築いていきました。

商業的な知名度ではマクラフリンやアル・ディ・メオラに譲るものの、ジャンルの扉を最初に開けたパイオニアとしての批評的評価は揺るぎません。

まとめ

ラリー・コリエルは、ジャズとロックの間にまだ壁があった時代に、その壁を最初に取り払ったギタリストでした。エレクトリックとアコースティック、ロックとビバップ、クラシックとブルース。あらゆる境界を軽々とまたぐ音楽性は、今聴いても新鮮です。入門には、フュージョン前夜の空気をそのまま封じ込めた『Spaces』をぜひ。そこから『Introducing the Eleventh House』の熱量、『Together』の静かな対話へと聴き進めれば、この人の振り幅の広さがよく分かるはずです。

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基本プロフィール

経歴

スケートボードからギターへ――ノルウェー時代

1977年、ノルウェーに生まれ、テレマルク県のシーエンという町で育ちました。少年時代の夢は意外にもプロのスケートボーダー。13歳の頃にその夢を断念し、代わりに打ち込むようになったのがギターだったと伝えられます。上達は早く、10代のうちに地元でジャズトリオを結成し、クラブで演奏するようになりました。

バークリーからジュリアードへ（1990年代後半～2003年）

高校卒業後、奨学金を得て米ボストンのバークリー音楽大学へ留学。ジャムセッションの名所として知られる「ウォーリーズ・カフェ」に足繁く出演し、実戦で腕を磨きます。2002年にはフルブライト財団の奨学金を得てニューヨークへ移住。翌2003年、ジュリアード音楽院のジャズ科に全額奨学金で入学しました。同科がギタリストを迎えたのは、これが史上初のことです（「初のエレクトリック・ギタリスト」とする紹介もあります）。

モンク・コンペティション優勝（2005年）

2005年にジュリアードを修了。同年9月19日、ケネディ・センターで開催されたセロニアス・モンク国際ジャズ・ギター・コンペティションで優勝し、一躍世界の注目を集めます。賞金は2万ドル。審査員にはパット・マルティーノ、ビル・フリゼール、ラッセル・マローン、ジョン・ピザレリ、アール・クルー、スタンリー・ジョーダンという錚々たる顔ぶれが並びました。ノルウェー人ギタリストによる快挙であり、審査員を務めたマローンは「彼はすべてが音楽で、すべてが魂だ」と絶賛しています。

クリス・クロスの看板ギタリストへ（2008年～2015年）

2008年、オランダの名門ジャズレーベル、クリス・クロス（Criss Cross Jazz）から『Early Songs』でリーダー・デビュー。以後『Unlikely Stories』（2010年）、『Foolhardy』（2013年）、『Idlewild』（2015年）と同レーベルでコンスタントにリーダー作を発表し、看板ギタリストとしての地位を固めていきます。2013年には、オーランド・ル・フレミング、ウィル・ヴィンソンとの「OWLトリオ」でも作品を発表しました。

また2014～2015年には、マリア・シュナイダー・オーケストラのギター奏者として『The Thompson Fields』（2015年）の録音に参加。同作はグラミー賞「ベスト・ラージ・ジャズ・アンサンブル・アルバム」を受賞しており、サイドマンとしての信頼の厚さがうかがえます。

『Terrible Animals』と近年の活動（2019年～）

2019年、サリヴァン・フォートナー（ピアノ）、ラリー・グレナディア（ベース）、タイショーン・ソーリー（ドラム）との新カルテットで『Terrible Animals』を発表。作曲面でも最も野心的な作品と評され、代表作となりました。2020年代に入ると、サックスの名手マーク・ターナーやマット・ブリュワーらとのバンド「The Fury」を率いるほか、メリッサ・アルダナのBlue Note作品にも参加。2023年には『Most Peculiar』と『Ashes』の2作を発表するなど、現在も第一線で活動を続けています。ダウンビート誌批評家投票の「ライジング・スター（ギター部門）」に選出された経歴もあります。

音楽的特徴・スタイル

ラーゲ・ルンドの魅力は、テクニックの誇示ではなく「響き」と「間」の設計にあります。特徴を整理すると次のとおりです。

• 浮遊感のあるハーモニー…高度なリハーモナイズ（コードの置き換え）と曖昧な響きのヴォイシングで、コード進行の上に霧がかかったような独特の空間を作ります。
• 知的で意外性のあるライン…長いフレーズの中に、予測を裏切るインターバルの跳躍や着地点を織り込む、思索的なインプロヴィゼーション。
• 抑制の美学…音数と音量を抑え、間（スペース）を活かした囁くような演奏。
• 温かいトーンとさりげないエフェクト…ペダルやエフェクトを飛び道具としてではなく、音色の一部として溶け込ませます。
• 作曲家としての比重の大きさ…近作はほぼ全曲がオリジナル。コンポジション主導の現代的なカルテット／トリオ音楽を追求しています。

ニューヨーク・タイムズが彼の寡黙な佇まいを「whisper-quiet mystique（囁くように静かな神秘性）」と評したように、多くを語らず、それでいて強い存在感を残すタイプのミュージシャンです。

代表アルバム

リーダー作はクリス・クロスを中心に発表されています。ここでは年代順に4枚を紹介します。

『Early Songs』（2008年）

クリス・クロスからのリーダー・デビュー作。モンク・コンペティション優勝から3年後に発表された1枚で、以後長く続く同レーベルとの関係の出発点となりました。

『Idlewild』（2015年）

トリオ編成による録音。音数の少ない編成だからこそ、ルンドのハーモニー感覚と間の使い方をじっくり味わえる作品です。

『Terrible Animals』（2019年）

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まず1枚選ぶならこれ。サリヴァン・フォートナー、ラリー・グレナディア、タイショーン・ソーリーとのカルテットによる、全曲オリジナルの代表作です。浮遊するハーモニーと、音色に溶け込むエフェクトを堪能できます。詳しくは『Terrible Animals』徹底解説（アルバム紹介記事）をご覧ください。

『Most Peculiar』（2023年）

フォートナー、マット・ブリュワー、ソーリーとのカルテットによる近作（2022年6月17日録音）。円熟期に入ったルンドの現在地を伝える1枚です。

影響・評価

ルンドは、カート・ローゼンウィンケル以降の世代を代表する、現代ジャズギターの最高峰のひとりと位置づけられています。パット・メセニーが「お気に入りの若手」に挙げたほか、ローゼンウィンケル自身も「若手の中ではラーゲこそが『その一人』だ。実際、怖いくらいだ」と語るなど、同業の巨匠たちからの評価は絶大です。

同世代以降ではギラッド・ヘクセルマンらとともに、ニューヨークの現代ジャズギター・シーンを牽引する存在として語られます。なお、名前が似ているため混同されがちですが、ジュリアン・ラージ（Julian Lage）とは別人。どちらも現代ジャズギターを代表する名手なので、聴き比べてみるのも面白いはずです。

まとめ

モンク・コンペティション優勝という華々しい経歴を持ちながら、その音楽はどこまでも静かで思索的。音数を競うのではなく、響きと間の探求によって「現代ジャズギターの最高峰」の評価を確立したのがラーゲ・ルンドです。まずは代表作『Terrible Animals』から、霧のかかったような美しいハーモニーの世界に足を踏み入れてみてください。

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アール・クルーとは？（人物紹介記事）で経歴を紹介したクルーの、まず最初に聴くべき1枚。この記事では、制作の背景から全曲の聴きどころまで掘り下げていきます。

アルバム基本情報

クルーのオリジナル6曲とポップスのカバー3曲、全9曲構成です。

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どんなアルバム？

『Finger Paintings』は、クルーがブルーノートに残したソロ3作目です。プロデュースを手がけたのは、後にGRPレコードを設立してフュージョン／スムーズジャズの黄金時代を築くことになるデイヴ・グルーシン＆ラリー・ローゼンのコンビ（エグゼクティブ・プロデューサーはジョージ・バトラー）。録音は1977年2月、主にカリフォルニア州バーバンクのKendun Recordersで行われました。

参加メンバーがとにかく豪華です。リー・リトナー、スティーヴ・ガッド、ハーヴィー・メイソン、アンソニー・ジャクソン、ルイス・ジョンソンといったLA／NYの超一流セッションマンが集結。10代からジョージ・ベンソンのバンドで経験を積んだクルーは、録音当時まだ23歳ながら堂々と主役を張り、ナイロン弦ギターの音色を中心に据えたアンサンブルを成立させています。

内容は、クルーのオリジナル6曲に、ジェームス・テイラーの「Long Ago and Far Away」、オーリアンズのヒット曲「Dance with Me」、グルーシン自身が書いたTVドラマ『バレッタ』主題歌「Keep Your Eye on the Sparrow」という3曲のポップス・カバーを織り交ぜた構成。ジャズの語法を土台にしながらポップスの聴きやすさを大胆に取り込んだ作りは、当時としては新しいものでした。

商業的にも成功し、Billboardジャズ・アルバム・チャート6位、R&Bアルバム・チャート31位、総合のBillboard 200でも84位を記録。日本ではスイングジャーナル誌の1977年度録音賞を受賞し、クルーの名を一躍広めた出世作となりました。

参加メンバー

ベース3人・ドラム2人がクレジットされていますが、全員が全曲に参加しているわけではなく、曲ごとに交代するかたちで演奏しています。

• アール・クルー（ナイロン弦アコースティックギター）
• デイヴ・グルーシン（エレクトリックピアノ、シンセサイザー、クラヴィネット、アレンジ／指揮）
• リー・リトナー（エレクトリックギター、12弦ギター）
• アンソニー・ジャクソン（エレクトリックベース）
• ルイス・ジョンソン（エレクトリックベース）
• フランシスコ・センテーノ（エレクトリックベース）
• スティーヴ・ガッド（ドラム）
• ハーヴィー・メイソン（ドラム）
• ラルフ・マクドナルド（パーカッション）
• スティーヴ・フォアマン（パーカッション）
• トム・スコット（ホーン・アレンジ）
• チャック・フィンドレー（トランペット）
• ディック・ハイド（トロンボーン）
• ジャック・ニミッツ（バリトンサックス）
• ジェローム・リチャードソン、ローレンス・ウィリアムズ（サックス／フルート）
• アン・ストックトン（ハープ）ほかストリングス・セクション
• アレクサンドラ・ブラウン、リサ・ロバーツ、ステファニー・スプルーイル（バッキングボーカル）

全曲解説

1. Dr. Macumba（アール・クルー作）

アルバムの幕開けを飾るオリジナル。「マクンバ」はブラジルの民間信仰を指す言葉で、その名のとおりラテン／ブラジル風味のリズムに乗せて、ナイロン弦のシングルノートが軽やかに駆け回ります。タイトなリズム隊とホーン・セクションの彩りも含め、本作の華やかな側面を最初に見せてくれる1曲です。

2. Long Ago and Far Away（ジェームス・テイラー作）

シンガーソングライター、ジェームス・テイラーの楽曲のカバー。ジェローム・カーン作の同名ジャズ・スタンダードとは別の曲なので注意してください。原曲の穏やかなメロディを、クルーは指先のニュアンスでていねいに歌わせていきます。ポップスの名曲をインストゥルメンタルとして再構築する、本作のカバー路線を象徴するトラックです。

3. Cabo Frio（アール・クルー作）

タイトルはリオデジャネイロ近郊のリゾート地の名前。ブラジル音楽への愛着がにじむオリジナルで、ナイロン弦ギターという楽器の出自と最も自然に響き合う曲想です。潮風を思わせる爽やかなメロディが印象に残ります。

4. Keep Your Eye on the Sparrow (Baretta’s Theme)（デイヴ・グルーシン／モーガン・エイムス作）

プロデューサーのグルーシン自身が書いた、TVドラマ『バレッタ』の主題歌。作者本人がアレンジを手がけるだけあって、エレクトリックピアノやシンセサイザーとギターの絡みが緻密に設計されています。都会的でファンキーな空気は、後のスムーズジャズへそのままつながっていくサウンドです。

5. Catherine（アール・クルー作）

女性の名を冠したリリカルなオリジナル。テクニックの誇示よりメロディを歌わせることを最優先する、クルーの美質が凝縮されています。ナイロン弦ならではの温かい音色を、じっくり味わってほしいバラードです。

6. Dance with Me（ジョン・ホール／ジョアンナ・ホール作）

アメリカのポップ・バンド、オーリアンズのヒット曲のカバー。誰もが口ずさめるポップスのメロディを、ジャズのハーモニーで柔らかく包み直しています。原曲を知っていると、アレンジの妙が一層楽しめるはずです。

7. Jolanta（アール・クルー作）

こちらも人名を思わせるタイトルのオリジナル。「Catherine」と対をなすように、ギターのメロディそのものを主役に据えた小品的な魅力があります。ギターを引き立てる控えめなオーケストレーションとのバランスにも耳を傾けてみてください。

8. Summer Song（アール・クルー作）

タイトルどおり夏の情景を思わせる、開放感のあるオリジナル。ジャズとポップス、ボサノヴァの要素が自然に混ざり合ったクルーらしい曲想で、アルバムの終盤を爽やかに彩ります。

9. This Time（アール・クルー作）

アルバムを締めくくるオリジナル。本作にはバッキングボーカルもクレジットされており、ジャズのアルバムというより上質なポップ／R&Bに近いムードも漂います。ジャンルの垣根を軽々と越えていく、本作の性格を象徴するクローザーです。

聴きどころ

最大の聴きどころは、ナイロン弦ギターと洗練されたオーケストレーションの化学反応です。クラシックギターの柔らかな音は、本来エレクトリックなアンサンブルには埋もれやすいもの。それをグルーシンのアレンジが絶妙な距離感で支え、常にギターのメロディが主役として立つように設計されています。

もうひとつの注目は、リー・リトナーのエレクトリックギターとの対比です。同世代の名手による12弦ギターやエレキのバッキングがあるからこそ、クルーのナイロン弦の個性が際立ちます。リトナー自身も後にスムーズジャズを代表するギタリストとなることを考えると、なんとも歴史的な顔合わせです。

そして、テクニックを前面に出すフュージョンとは一線を画す「メロディの立ち方」。1曲1曲が歌のように構成されており、ジャズに馴染みのない人でもすっと入れる聴きやすさと、指先のコントロールが光る職人技が両立しています。

こんな人におすすめ

• スムーズジャズ／フュージョンの原点を押さえたい人…このジャンルの「型」が形になった歴史的文脈ごと楽しめる1枚です。
• ナイロン弦・アコースティックギターの音色が好きな人…バンドとオーケストラの中で鳴るガットギターという、ありそうでなかった形が味わえます。
• リー・リトナーやラリー・カールトンなどLAフュージョンが好きな人…1970年代後半のLAセッションシーンの空気が詰まっています。
• 肩の力を抜いてジャズを聴きたい人…BGMにも、じっくり鑑賞するのにも応えてくれる1枚です。

まとめ

『Finger Paintings』は、ナイロン弦一筋のギタリスト、アール・クルーの出世作にして、スムーズジャズ・ギターの原型を示した古典的名盤です。デイヴ・グルーシン＆ラリー・ローゼンという名コンビと超一流セッションマンに支えられ、23歳のクルーが「歌うギター」のスタイルをここで完成させました。

本作を気に入ったら、グラミー受賞作となったボブ・ジェームスとの共演盤『One on One』（1979年）や、円熟期のソロギター作『HandPicked』（2013年）へ進むのがおすすめです。まずはこの1枚で、指先から紡がれる温かな音世界に浸ってみてください。

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基本プロフィール

経歴

ピアノからギターへ、そしてチェット・アトキンスとの出会い

1953年、ミシガン州デトロイト生まれ。6歳頃にピアノを習い始め、10歳でギターに転向します。決定的な転機は13歳頃。TV番組『ペリー・コモ・ショー』でカントリー・ギターの巨匠チェット・アトキンスの演奏を観て衝撃を受け、ピックを使わないフィンガースタイル・ギターの道を歩み始めました。多くのジャズギタリストがビバップやブルースを入り口にするなか、カントリー系フィンガーピッキングから出発したことが、後の唯一無二の個性につながっていきます。

10代でレコーディング・デビュー、ベンソンの下で経験を積む

1970年、まだ16歳頃の10代半ばで、ユセフ・ラティーフのアルバム『Suite 16』（Atlantic）に参加してレコーディング・デビュー。続いてジョージ・ベンソンの『White Rabbit』（1971年録音・1972年発売、CTI）に起用され、1973年からはベンソンのツアーバンドに加入します。

1974年には、チック・コリア率いるリターン・トゥ・フォーエヴァーにビル・コナーズの後任として短期間在籍しました。この時期の活動はライブのみで録音は残っておらず、後任にはアル・ディ・メオラが迎えられています。エレクトリック・フュージョンの最前線を体験しながら、自分の楽器はあくまでナイロン弦のアコースティック、という立ち位置がこの頃に固まっていきました。

ブルーノートからソロデビュー、『Finger Paintings』で飛躍

1976年、ブルーノートからソロデビュー作『Earl Klugh』を発表し、続けて『Living Inside Your Love』をリリース。そして1977年の3作目『Finger Paintings』が出世作となります。Billboardジャズ・チャートで6位を記録し、日本ではスイングジャーナル誌の1977年度録音賞を受賞。ナイロン弦ギターと洗練されたオーケストレーションを組み合わせたサウンドは、後のスムーズジャズの雛形として高く評価されることになります。

グラミー受賞、そして現在も第一線に

1979年にはボブ・ジェームスとの共演作『One on One』（Tappan Zee/Columbia）を発表。本作は1981年のグラミー賞「最優秀ポップ・インストゥルメンタル・パフォーマンス」を受賞し、1982年にはゴールドディスクにも認定されました。1980年代は『Late Night Guitar』（1980年）、『Crazy for You』（1981年）、ボブ・ジェームスとの再共演『Two of a Kind』（1982年）、師匠格ベンソンとの双頭作『Collaboration』（1987年）と多作ぶりを発揮。少年時代の憧れだったチェット・アトキンス本人との共演も実現しています。

2005年頃からはコロラドスプリングスのブロードモア・ホテルでジャズ・イベント「Weekend of Jazz」を主宰し（2010年にはサウスカロライナ州キアワ・アイランドにも拡大）、2008年の『The Spice of Life』でグラミー・ノミネート。2013年にはソロギター中心の『HandPicked』を発表しました。通算成績はグラミー受賞1回・ノミネート13回、Billboardジャズ・アルバム・チャートTop10入り23作（うち1位5作）。今なお現役の、コンテンポラリー・ジャズ・ギター界を代表する存在です。

音楽的特徴・スタイル

クルーの演奏スタイルは、次のポイントに集約できます。

• ナイロン弦一筋…ジャズ界では極めて珍しく、キャリアを通じてナイロン弦のクラシックギター（ガットギター）だけを使用。ピックを使わない完全フィンガースタイルです。
• チェット・アトキンス直系のフィンガーピッキング…カントリー由来の奏法にジャズのハーモニー感覚を融合。ウェス・モンゴメリーやジョージ・ヴァン・イプスからの影響も公言しています。
• メロディ最優先…テクニックの誇示よりメロディを歌わせることを重視した演奏。温かく親密なトーンで「歌うようなギター」と評されます。
• ジャンルのブレンド…ジャズにポップ、R&B、ボサノヴァの要素を溶け込ませた聴きやすいサウンドで、後のスムーズジャズの原型を作りました。
• 編成の幅広さ…デイヴ・グルーシンらによる豪華なオーケストレーションとの共演から、ギター1本のソロ演奏まで対応。レパートリーは自作曲が中心です。

代表アルバム

キャリアの節目となった作品を年代順に紹介します。ソロデビュー作『Earl Klugh』と2作目『Living Inside Your Love』（ともに1976年発売）で基本スタイルはすでに出来上がっていますが、入門には次の1枚が最適です。

『Finger Paintings』（1977年発売）

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ソロ3作目にして出世作。後にGRPレコードを設立するデイヴ・グルーシン＆ラリー・ローゼンのコンビがプロデュースし、リー・リトナーやスティーヴ・ガッドといった超一流セッションマンが参加しています。ナイロン弦の柔らかな音色と洗練されたアレンジが溶け合った、スムーズジャズ・ギターの古典です。詳しくは『Finger Paintings』徹底解説（アルバム紹介記事）をどうぞ。

その後の重要作としては、グラミー受賞作となったボブ・ジェームスとの共演盤『One on One』（1979年発売）、ジョージ・ベンソンとの双頭作『Collaboration』（1987年発売）、円熟のソロギターをじっくり味わえる『HandPicked』（2013年発売、グラミー・ノミネート）がおすすめです。

影響・評価

アール・クルーは、エレクトリックギター全盛のジャズ／フュージョン界にあって、ナイロン弦のアコースティックギターだけで第一線に立ち続けてきた稀有な存在です。チェット・アトキンス流のフィンガーピッキングとジャズを橋渡しし、1970年代後半に「聴きやすくメロディアスなインストゥルメンタル音楽」の型を確立したことから、スムーズジャズというジャンルの創始者の一人と見なされています。

グラミー受賞1回・ノミネート13回、Billboardジャズ・チャートTop10入り23作（うち1位5作）という数字も、コンテンポラリー・ジャズ・ギタリストとして屈指の実績です。聴きやすさの裏に職人的な完成度が潜んでいるタイプの音楽で、ギターを弾く人ほど、その指先のコントロールに驚かされるはずです。

まとめ

ピアノから出発し、チェット・アトキンスに憧れてフィンガースタイルへ。ジョージ・ベンソンのバンドやリターン・トゥ・フォーエヴァーで経験を積み、ナイロン弦一本でスムーズジャズの原型を作り上げたアール・クルー。まずは出世作『Finger Paintings』で、その温かく歌うようなギターに触れてみてください。エレクトリックなジャズギターとはひと味違う世界が広がるはずです。

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フレディ・グリーンとは？（人物紹介記事）を読んで興味を持った方にも、リズムギターの教材を探しているギタリストにもおすすめの本作。録音の背景から全12曲まで、じっくり解説します。

アルバム基本情報

どんなアルバム？

『Mr. Rhythm』は、当時すでに20年近くベイシー楽団の屋台骨を支えていたグリーンが、RCA Victorに録音した小編成セッションです。メンバーは、ジョー・ニューマン、ヘンリー・コーカー、ジョー・ジョーンズといったベイシー楽団の同僚に、当時「ベイシー派」のピアニストとして知られたナット・ピアース、さらにアル・コーン、ミルト・ヒントン、オシー・ジョンソンを加えた顔ぶれ。ベイシー楽団のスウィング感を小編成に凝縮したような座組みです。

全12曲中8曲がグリーンの自作曲で、アレンジはアル・コーン、マニー・アルバム、アーニー・ウィルキンスの3人が分担しました。そして最大の特徴は、先にも触れたとおり、リーダー作でありながらグリーンが一切ソロを取らないこと。ホーン陣とピアノが旋律を担い、グリーンは終始、拍を刻む側に回ります。

なお、本作は「1955年のアルバム」と表記されることもありますが、1955年12月18日は録音日で、発売は翌1956年です。本記事では「1955年録音・1956年発売」としています。

評価面では、AllMusicのロニー・D・ランクフォードJr.が5点満点中3点を付け、「リズムギタリストという役割に徹して満足する優れたリーダーの姿を示す1枚で、スウィングする良質なジャズが好きな人に薦められる」という趣旨で好意的に紹介しています。

参加メンバー

• フレディ・グリーン（ギター）…本作のリーダー。全編でソロを取らず、アンプを使わないアーチトップギターの4つ切りに徹します。
• ジョー・ニューマン（トランペット）…ベイシー楽団の同僚。
• アル・コーン（テナーサックス、バスクラリネット）…アレンジャーの一人でもあります。※持ち替え楽器をクラリネットとする資料もあります。
• ヘンリー・コーカー（トロンボーン）…こちらもベイシー楽団の同僚。
• ナット・ピアース（ピアノ）…ベイシー・スタイルを受け継ぐピアニスト。
• ミルト・ヒントン（ベース）…膨大な録音に参加した当時屈指の名ベーシスト。
• ジョー・ジョーンズ（ドラム）…「オール・アメリカン・リズム・セクション」以来のグリーンの盟友。
• オシー・ジョンソン（ドラム）…トラック1、3、6、9で参加。

ドラマーが2人クレジットされているのが目を引きます。主要資料は録音日を1955年12月18日の1日としていますが、同日内の別セッションだったのか複数日に分かれていたのかは、セッション資料での確認が取れていません。いずれにせよ、2人の名手のドラムを聴き比べられるのは本作の楽しみの一つです。

全曲解説

全12曲。グリーンの自作曲8曲に、スタンダードや歌ものを織り交ぜた構成です。どの曲でも「主役のギターソロ」は登場しませんが、その分、ホーンとリズム隊のスウィングを純度高く味わえます。

1. Up in the Blues（Freddie Green作）

アルバムの幕開けを飾る自作ナンバー。ドラムはオシー・ジョンソンです。冒頭から、アンプを通さないアーチトップの「ザッ、ザッ」という刻みがアンサンブルの土台に据わっており、本作の聴き方を最初の1曲で教えてくれます。

2. Down for the Double（Freddie Green作）

グリーンが1941年に作曲し、ベイシー楽団のレパートリーとしても知られる「Down for Double」を、自身のリーダー・セッションであらためて取り上げたナンバー。作曲家グリーンの代表作の一つです。

3. Back and Forth（Freddie Green作）

タイトルどおり、ホーン陣とリズム隊の「行き来」が楽しい自作曲。ここでもドラムはオシー・ジョンソンが担当しています。

4. Free and Easy（Freddie Green作）

肩の力の抜けたタイトルを持つ自作曲。ジョー・ジョーンズの軽やかなドラムとグリーンの刻みという、ベイシー楽団以来の名コンビの呼吸を味わえます。

5. Learnin’ the Blues（Dolores Vicki Silvers作）

ドロレス・ヴィッキー・シルヴァース作の歌もので、本作では数少ない他人の曲の一つ。歌心のあるメロディをホーン陣が担い、グリーンは一歩引いてスウィングを支えます。

6. Feed Bag（Freddie Green作）

オシー・ジョンソンがドラムを務める自作曲。小編成ながら、リフを積み重ねていくベイシー楽団ゆずりの味わいがあります。

7. Something’s Got to Give

この曲の作曲者は資料によって食い違いがあり、グリーンのオリジナルとするものと、ジョニー・マーサー作の1955年のヒット曲「Something’s Gotta Give」とするものがあります。ここでは断定を避けておきますが、演奏そのものはアルバムの流れに自然に溶け込むスウィング・ナンバーです。

8. Easy Does It（Sy Oliver / Trummy Young作）

サイ・オリヴァーとトラミー・ヤングによるスウィング時代のナンバー。ビッグバンド全盛期を生きたグリーンらしい選曲と言えるでしょう。

9. Little Red（Freddie Green作）

オシー・ジョンソン参加トラックの最後を飾る自作曲。コンパクトな編成でのアンサンブルの妙が光ります。

10. Swinging Back（Freddie Green作）

タイトルに「スウィング」を掲げた自作曲。拍ごとに細かくコードを動かすグリーンのボイスリーディングを意識しながら聴くと、刻みの中の変化に気づけるはずです。

11. A Date with Ray（Freddie Green作）

自作曲群の締めくくり。ミルト・ヒントンのベースとギターの4つ切りが一体になって歩く、リズム隊好きにはたまらないトラックです。

12. When You Wish Upon a Star（Leigh Harline / Ned Washington作）

クローザーは、ディズニー映画『ピノキオ』の主題歌として知られる「星に願いを」。ブルースやリフ曲が中心のアルバムの最後に置かれた、少し意外でチャーミングな選曲です。

聴きどころ

本作最大の聴きどころは、やはり「ソロを弾かないリーダー作」という一点に尽きます。チャーリー・クリスチャン以降、ジャズギターは「ソロを弾く楽器」として進化してきましたが、グリーンはその流れと正反対の場所で自分の役割を極めました。普段はソロイストを目で追ってしまう人も、本作ではぜひ「土台」に耳を向けてみてください。実質1～3音のコードを拍ごとに動かしながら、ドラムと一体になって鳴るギターの音が聴き取れてくると、アルバムの景色が一変します。

もう一つの楽しみが、ジョー・ジョーンズとオシー・ジョンソンという2人のドラマーの聴き比べです。トラック1、3、6、9がジョンソン、それ以外がジョーンズ。同じ「グリーンの刻み」の上で、ドラムが変わるとスウィングの手触りがどう変わるかを聴き分けるのは、リズム好きにとって格好の題材です。

こんな人におすすめ

• ビッグバンドでギターを弾く人、フレディ・グリーン・スタイルを学びたい人…本人のリーダー作で、しかも小編成。刻みの音がもっとも聴き取りやすい教材です。
• コンピングやタイム感を鍛えたいギタリスト…ソロの語彙ではなく「バンドを進める技術」を学べます。
• 『April in Paris』『The Atomic Mr. Basie』などベイシー楽団の名盤が好きな人…あのリズムの感触を小編成で味わえる1枚です。
• ソロ中心の聴き方に少し疲れた人…ジョー・パス『Virtuoso』がソロギターの極致なら、本作は伴奏ギターの極致。対極の2枚を聴き比べるのも一興です。

まとめ

『Mr. Rhythm』は、リズムギターの巨匠フレディ・グリーンが、自分の名前を冠したアルバムでもなお「刻む側」に徹した、ジャズ史でも類例の少ない1枚です。派手さはありませんが、スウィングというものの土台がどう作られているかを、これほど分かりやすく聴かせてくれる作品はなかなかありません。

本作を気に入った方には、20年後の1975年にハーブ・エリスと共作した双頭ギター作『Rhythm Willie』もおすすめ。ソロの名手との共演でも変わらず刻み続けるグリーンの姿に、あらためて感心させられるはずです。まずは『Mr. Rhythm』で、4分音符だけで音楽を動かす技をじっくり味わってみてください。

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基本プロフィール

経歴

バンジョーからギターへ——チャールストン時代（1911年～）

1911年、サウスカロライナ州チャールストン生まれ。12歳頃にバンジョーを始め、10代前半でギターに持ち替えたと伝えられます。家族ぐるみの友人だったサム・ウォーカーに読譜を学び、地元の楽団で初舞台を経験。同じ楽団には、のちのエリントン楽団のトランペッター、キャット・アンダーソンもいました。1920年代半ば、両親を相次いで亡くしたグリーンは10代でニューヨークへ移り、叔母のもとで学業を続けます。

ジョン・ハモンドに見出され、ベイシー楽団へ（1937年）

1930年代前半は、ハーレムの「Yeah Man」やグリニッジ・ヴィレッジの「Black Cat」といったクラブ、レントパーティー（家賃捻出のための私的パーティー）で腕を磨きました。転機は1937年。Black Catでの演奏を名プロデューサーのジョン・ハモンドが聴きつけ、カウント・ベイシーに紹介します。同年3月、前任ギタリストのクロード・ウィリアムスに代わって入団し、3月26日にはDeccaへの初録音に参加。ここから約50年に及ぶベイシー楽団在籍が始まりました。

1938年1月16日には、ベニー・グッドマンの歴史的なカーネギー・ホール・コンサートに参加。ジャム・セッションでは、本人としては極めて珍しいソロを披露しています（ファッツ・ウォーラー作の曲で、複数の資料では「Honeysuckle Rose」とされます）。1930年代後半から40年代にかけては、ベイシー（ピアノ）、ウォルター・ペイジ（ベース）、ジョー・ジョーンズ（ドラム）と共に「オール・アメリカン・リズム・セクション」と称される史上屈指のリズム隊を形成。1941年には自作曲「Down for Double」も書いています。

一度の「解雇」と、生涯続いた在籍（1950年～1987年）

1950年、経営難からベイシーはビッグバンドを解散し、小編成グループに縮小します。このときグリーンは当初メンバーに含まれていませんでした。ところがある夜、招かれないままステージに座り込んで演奏に加わり、そのまま復帰してしまいます。1952年のビッグバンド再編後も、変わらず在籍を続けました。

1955年には代表的な自作曲「Corner Pocket」を作曲（『April in Paris』に収録。のちに歌詞が付き「Until I Met You」としても知られます）。同年12月には、単独リーダー名義では生涯唯一となるアルバム『Mr. Rhythm』を録音しました。1957～58年には『April in Paris』『The Atomic Mr. Basie』などベイシー楽団「第二黄金期」の名盤群を支え、1975年にはハーブ・エリスとの双頭名義作『Rhythm Willie』も残しています。

1984年にベイシーが世を去った後も、サド・ジョーンズ、フランク・フォスターが率いる楽団に残留。1987年3月1日、前夜にラスベガスでトニー・ベネットとの公演を終えた直後、心臓発作により75歳で亡くなりました。約50年の在籍は「ジャズ史上最も長く続いた仕事」とも評されています。

音楽的特徴・スタイル

グリーンの奏法は、今日「フレディ・グリーン・スタイル」の名で世界中に受け継がれています。ポイントは次のとおりです。

• アンプを使わない「4つ切り」…エレキ化が進んだ時代にあってもアンプを使わず、アコースティックのアーチトップギター（Stromberg製の使用が有名）で、1小節に4分音符を4つ刻む「four-to-the-bar」のリズムギターを貫きました。
• 「聞こえてはいけない」という美学…本人いわく「ギターは単体で聞こえてはいけない。ドラムの一部となり、スネアやハイハットがコードを鳴らしているように響くべき」。徹底した黒子の美学です。
• 拍ごとのボイスリーディング…小節単位ではなく拍ごとに細かくコードを動かします。実際に押さえるのは1～3音程度で、残りの弦は左手でミュートし、打楽器的なアタックを生み出しました。
• ソロを弾かないことで伝説になった…1938年カーネギー・ホールでのソロが「事件」として語り継がれるほど、ソロを取らないことが彼の代名詞になりました。
• リズム隊の規範を作った…「オール・アメリカン・リズム・セクション」での演奏は、スウィングにおけるタイム感とアンサンブルのお手本とされています。

代表アルバム

グリーンの仕事を聴くなら、まずはこの4枚。発売年順に紹介します。

『Mr. Rhythm』（1955年録音・1956年発売）

RCA Victorに残した、単独リーダー名義では生涯唯一のアルバム。ベイシー楽団の同僚を中心とした小編成で、全12曲中8曲が自作曲という内容ですが、リーダーであるグリーン自身はここでも一切ソロを取りません。詳しくは『Mr. Rhythm』徹底解説（アルバム紹介記事）をどうぞ。

Count Basie『April in Paris』（1957年発売）

1955～56年録音、Verve発売。グリーンの自作曲「Corner Pocket」を収録した、ベイシー楽団「第二黄金期」を代表する1枚です。ビッグバンドの土台で鳴り続ける4つ切りが堪能できます。

Count Basie『The Atomic Mr. Basie』（1958年発売）

1957年10月録音、Roulette発売。ニール・ヘフティ編曲によるベイシー第二黄金期の金字塔です。緻密なアンサンブルの中でリズムギターが果たす役割がよく分かります。

Herb Ellis & Freddie Green『Rhythm Willie』（1975年発売）

Concord Jazzからの、ハーブ・エリスとの双頭ギター作。レイ・ブラウン（ベース）、ジェイク・ハナ（ドラム）らが参加しています。ソロの名手エリスとリズムの巨匠グリーンという、役割のはっきり分かれた2本のギターの対話が楽しめる晩年の好盤です。

影響・評価

批評家のレナード・フェザーは、グリーンを「業界最高のリズムマンであり、ベイシー・バンドの鼓動」と評しました。ファンやミュージシャンからは敬意を込めて「Mr. Rhythm」と呼ばれ、「Pep」という愛称も伝えられています。

ソロイストとして名を上げるのが当たり前のジャズ界で、アンサンブルを支えるタイムキーパーに徹して歴史に名を残したギタリストは、ほかにほとんど例がありません。バーニー・ケッセルやジョー・パスのようなソロの名手とは対照的な道ですが、その4つ切りのコンピングは「フレディ・グリーン・スタイル」として体系化され、今日でも世界中のビッグバンド・ギタリストの必修科目となっています。「リズムギター」という役割そのものをジャズに定着させた第一人者と言ってよいでしょう。

まとめ

フレディ・グリーンは、約50年間カウント・ベイシー楽団に在籍し、アンプなしの4つ切りでスウィングのタイム感を支え続けたリズムギターの巨匠です。派手なソロは残しませんでしたが、その「支える技術」はジャズギターのもう一つの到達点と言えます。まずは『April in Paris』や『The Atomic Mr. Basie』で、バンド全体を下から押し出すように鳴る4分音符に注目してみてください。

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