ジャズギターを始めようとしたとき、多くの人が最初に迷うのが「フルアコとセミアコ、どちらを選ぶか」ではないでしょうか。見た目はよく似ていますが、構造も音も得意分野もはっきり異なります。本記事では、フルアコとセミアコの違いを構造・音・ハウリング耐性・ジャンル適性の観点から整理し、最後に各タイプのおすすめモデルを3本ずつ紹介します。

フルアコとセミアコの違いは「センターブロック」にある

フルアコ（フルホロウボディ）とは

ボディ内部が完全に空洞のエレキギターです。アーチを描いたトップにfホール、という組み合わせが伝統的なスタイルで、アンプを通さなくてもある程度の音量で鳴ってくれます。ボディ厚はモデルにより7〜9cmほどの深胴が定番で（Gibson ES-175やL-5は約8.5cm）、この豊かな「箱鳴り」こそがジャズトーンの源になっています。

セミアコ（セミホロウボディ）とは

見た目は空洞ボディですが、ボディ中央に「センターブロック」と呼ばれる木材が貫通しているのが最大の違いです。空洞なのはブロックの両脇だけで、いわばソリッドギターとフルアコの中間的な構造。元祖は1958年発表のGibson ES-335で、薄胴＋ダブルカッタウェイが典型的なスタイルです。

豆知識：「薄いからセミアコ」とは限らない

Epiphone CasinoはES-335とよく似た見た目ですが、センターブロックのないフルホロウ構造、つまり薄胴のフルアコです。「薄い＝セミアコ」ではなく、センターブロックの有無で区別すると覚えやすいと思います。

音とハウリング耐性を比較

フルアコは空洞ボディがアンプの音圧で共振するため、大音量や歪みではハウリングしやすくなります。アンプから離れる・向きを変える・音量を抑えるといった対策はありますが、基本的にはクリーン中心の小〜中音量が得意なギターです。一方のセミアコはセンターブロックのおかげでハウリングに強く、歪ませてもコントロールしやすいのが魅力です。

ジャンル適性の違い

• フルアコ：ビバップやスウィングなど伝統的なジャズ、バラード、ソロギター、ボーカル伴奏。ロカビリー系でも活躍
• セミアコ：ジャズ全般に加えて、ブルース、フュージョン、ソウル/R&B、ロックまで幅広く対応。歪みに強いためジャズファンクやコンテンポラリー系にも向く

「ジャズ一本に絞るならフルアコ、ジャズもそれ以外も弾きたいならセミアコ」というのが昔からの定番の整理です。

有名ジャズギタリストはどちらを使っている？

フルアコ派の代表格はウェス・モンゴメリー。Gibson L-5 CESを愛用し、初期にはES-175を弾いていました。ジョージ・ベンソンは、Ibanezと開発した小型フルアコGB10を1977年から使い続けています。

セミアコ派では、Gibson ES-335を愛用し「Mr.335」の異名を持つラリー・カールトンが有名です。ジョン・スコフィールドも1981年製のIbanez AS200を40年以上にわたって愛用しています。

初心者はどちらを選ぶべき？

• フルアコが向いている人：伝統的なジャズトーンに憧れがある人。生音が大きいので、アンプを使わない自宅練習が中心の人にも
• セミアコが向いている人：ジャズ以外のジャンルも弾きたい人、バンドで大きな音を出す人、ハウリングに悩みたくない人。薄胴で抱えやすいのも利点です

どちらが正解ということはありませんが、「ジャズ専門でいく決意が固まっているならフルアコ、迷いがあるならセミアコ」と考えると選びやすいのではないでしょうか。

タイプ別おすすめモデル

※価格は2026年8月時点の実売目安です。為替や時期により変動します。

フルアコのおすすめ3本

Ibanez AF75（実売7万円前後）

Ibanez アイバニーズ AF75 BS フルアコ Brown Sunburst エレキギター

価格帯：69,740円〜70,125円前後（楽天市場）

低価格帯で「きちんと箱鳴りするフルアコ」として定番のエントリーモデル。完全空洞のフルホロウボディ（厚さ約7cm）にハムバッカー2基を搭載し、最初の1本として名前が挙がることの多いモデルです。

Ibanez AF95（実売10〜11万円前後）

Ibanez Artcore Expressionist AF95-DA (Dark Amber)

価格帯：103,125円前後（楽天市場）

Artcore Expressionistシリーズの中級機。ヴィンテージ系トーンで定評のあるSuper 58ピックアップを搭載し、国内で入手しやすい中級フルアコの代表格です。

Eastman AR372CE（実売19〜20万円前後）

ES-175系の実用派ジャズボックス。合板（ラミネート）ボディはハウリングに比較的強く、アンプで弾くジャズには合理的な選択です。手工感のある作りでコストパフォーマンスの評価も高い1本です。

セミアコのおすすめ3本

Ibanez AS73（実売7万円台）

Ibanez アイバニーズ AS73 TCD セミアコ エレキギター Transparent Cherry Red

価格帯：73,700円〜74,800円前後（楽天市場）

「手頃なのに使える」と定評のあるエントリーセミアコ。甘めのハムバッカーとややふっくらしたネックで、単音弾きにもコードワークにも馴染みます。

Epiphone ES-335（実売7〜9万円前後）

Epiphone エピフォン ES-335 Vintage Sunburst セミアコ エレキギター

価格帯：71,280円〜84,700円前後（楽天市場）

本家Gibson監修の「Inspired by Gibson」ライン。元祖セミアコの設計をこの価格帯で味わえる、最初のセミアコの定番です。

YAMAHA SA2200（実売27〜28万円前後）

YAMAHA ヤマハ SA2200 VS 国産 セミアコ Violin Sunburst エレキギター

価格帯：279,620円〜313,500円前後（楽天市場）

国内生産にこだわった日本製セミアコ。トーンノブを引き上げるだけでハムバッカーからシングルコイルに切り替えられる「バイサウンドシステム」を備え、丁寧な作りで長年支持されている定番機です。

まとめ

• フルアコは完全空洞、セミアコはセンターブロック入り。ここが最大の違い
• 甘く温かい伝統的なジャズトーンならフルアコ、ハウリングに強く守備範囲が広いのはセミアコ
• ジャズに絞るならフルアコ、幅広く弾きたい・大きな音で弾くならセミアコが選びやすい

どちらを選んでも、ジャズギターらしい「箱物の温かい音」は味わえます。予算と弾きたい音楽をイメージしながら、じっくり選んでみてください。

「ジャズを弾いてみたいけれど、どのギターを選べばいいのかわからない」。そんな初心者の方に向けて、この記事では予算別（5万円以下／5〜10万円／10〜20万円／20万円以上）におすすめのギターを具体的なモデル名で紹介します。ジャズの王道であるフルアコ・セミアコを中心に、それぞれの特徴と選び方のポイントも整理しました。なお、価格は為替やメーカーの価格改定で変動するため、あくまで執筆時点の目安としてご覧ください。

まず知っておきたい3つのボディ構造

ジャズで使われるギターは、ボディ構造で大きく3タイプに分かれます。

「ジャズのあの音」を最短で目指すならフルアコ、幅広いジャンルも視野に入れるならセミアコ、というのが大まかな目安です。テレキャスターでジャズを弾いた名手（エド・ビッカートやジュリアン・ラージなど）もいるので、ソリッドが不正解というわけではありません。

予算5万円以下：まずは「箱物の音」に入門

Ibanez AS53（セミアコ）

実売4〜5万円前後。この価格帯でセミホロウの音に入門できる定番モデルです。軽量で扱いやすく、最初の1本として無理がありません。

Ibanez AF55（フルアコ）

実売4〜5万円前後。「5万円以下で買える完全中空」という貴重な存在で、温かいトーンに定評があります。深い箱鳴りまでは求めすぎず、フルアコの雰囲気を体験する1本と考えるとよいでしょう。

なお、実売3〜5万円前後のソリッドギター（ヤマハPACIFICAやSquierのテレキャスター系）でも、ジャズの練習は十分始められます。

予算5〜10万円：長く使える定番がそろう激戦区

Ibanez AS73（セミアコ）

実売6〜7万円台。ES-335系シェイプの入門〜中級機として長年支持されるモデルで、AS53からの順当なステップアップ先です。

Ibanez アイバニーズ AS73 TCD セミアコ エレキギター Transparent Cherry Red（楽天市場）

価格帯: 約73,700円〜（楽天市場・執筆時点）

Epiphone ES-335（セミアコ）

実売7〜8万円台。セミアコの元祖Gibson ES-335の設計を手頃な価格で体験できる大定番です。ラリー・カールトンに代表される335系トーンの入口としておすすめです。

Epiphone エピフォン ES-335 Vintage Sunburst セミアコ エレキギター（楽天市場）

価格帯: 約71,280円〜（楽天市場・執筆時点）

Epiphone Joe Pass Emperor II Pro（フルアコ）

実売7〜9万円前後。ソロギターの巨匠ジョー・パスのシグネチャーで、「ジャズ入門フルアコ」の世界的定番です。人気モデルのため在庫は流動的です。

このほか、フルアコならIbanez AF75（実売5.5〜7万円前後）、小ぶりで抱えやすいAG75G、個性派ならGretsch G2420 Streamlinerも候補になります。

予算10〜20万円：本格フルアコに手が届く

Epiphone Broadway（フルアコ）

実売11〜15万円前後。17インチ級の大型ボディを持つ歴史あるモデルの系譜で、王道ルックスと深い箱鳴りが魅力です。スケールがやや長め（25.5インチ）で大柄なので、体格との相性は確認したいところです。

Epiphone エピフォン Broadway Dark Wine Red フルアコ エレキギター（楽天市場）

価格帯: 約117,700円〜（楽天市場・執筆時点）

Ibanez GB10SE（フルアコ）

実売15〜20万円前後。ジョージ・ベンソンの名機GB10の思想を受け継ぐ普及版です。小さめボディでハウリングに強く、初心者でも抱えやすい「ジャズ専用機」といえます。相場によっては20万円を超える場合もあります。

Ibanez GB10SE BS（ジョージ・ベンソン・モデル）（楽天市場）

価格帯: 約198,000円〜（楽天市場・執筆時点）

このほか、ES-175系の丁寧な作りで評価の高いEastman AR372CE（実売19〜20万円前後）、フローティングPUで生鳴りを活かせるD’Angelico Premier EXL-1（実売10〜14万円前後）も有力候補です。

予算20万円以上：一生モノを選ぶ

ヤマハ SA2200（セミアコ・日本製）

実売27〜31万円前後。美しいフレイム杢と国産らしい丁寧な作りで、「一生モノのセミアコ」として選ばれるモデルです。コイルタップ搭載で音のバリエーションも広く、フュージョン系にも対応できます。

YAMAHA ヤマハ SA2200 VS 国産 セミアコ Violin Sunburst エレキギター（楽天市場）

価格帯: 約279,620円〜（楽天市場・執筆時点）

そのほかの憧れモデル

• Gibson ES-335（実売45〜55万円前後）: セミアコの元祖にして金字塔。2026年には年代別仕様の「ES-335 50s」「ES-335 60s」の2モデル体制に刷新されています
• Ibanez GB10（実売32〜43万円前後）: 1977年から続くジョージ・ベンソン・モデルの本家で、Ibanez初のシグネチャーモデルでもあります
• Gibson L-5 CES（新品は100万円超が通常）: ウェス・モンゴメリーの愛器として知られるフルアコの最高峰。「いつかはL-5」という憧れの1本です

購入後にできる「ジャズの音」への近道

• フラットワウンド弦に交換する: 弦を替えるだけで、まろやかなジャズトーンにぐっと近づきます
• アンプはクリーン主体で十分: 歪みは基本使わないので、クリーンがきれいな小型アンプで問題ありません
• フロントPU＋トーンを少し絞る: どのギターでも試せる、ジャズらしい音作りの基本です

まとめ

予算5万円以下ならIbanez Artcoreシリーズで箱物の音に入門し、5〜10万円ならEpiphoneやIbanezの定番でステップアップ、10万円を超えると本格フルアコが視野に入ってくる、というのが大まかな地図です。最初の1本に正解はありませんが、「弾きたい音のイメージ」に近い構造（フルアコかセミアコか）から選ぶと後悔が少ないはずです。気になるモデルが見つかったら、ぜひ楽器店やサウンドサンプルで音を確かめてみてください。

本作は、カールトンがザ・クルセイダーズを離れ、ソロ・アーティストとして本格的に歩み始めた出発点でもあります。セッション・ギタリスト（レコーディングに招かれて演奏する職業ミュージシャン）としての彼の歩みはラリー・カールトンとは？（人物紹介記事）で詳しく紹介していますので、あわせてお読みください。この記事では、アルバム『夜の彷徨』そのものの魅力を、制作背景から全曲解説までじっくり掘り下げていきます。

アルバム基本情報

編成はギター、キーボード、ベース、ドラムス、パーカッションのクインテット（5人編成）を基本に、曲によってストリングスとコーラスが彩りを添えるスタイルです。

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どんなアルバム？

ラリー・カールトンは1971年から1976年までザ・クルセイダーズ（ジャズ・ファンクの人気グループ）のメンバーとして活動しながら、スティーリー・ダン「Kid Charlemagne」の名ソロに代表される売れっ子セッション・ギタリストとして、70年代には年間数百セッションをこなしたともいわれます。1976年にクルセイダーズを脱退した彼がワーナー・ブラザースと契約して発表したのが本作です。1968年と1973年の作品に次ぐ通算3枚目のソロ・アルバムにあたりますが、ワーナー移籍後第1作にして、彼の名を世界に知らしめた実質的なソロ・ブレイク作となりました。

本作を語るうえで欠かせないのが、録音場所である自宅スタジオ「Room 335」です。この名前は、カールトンが60年代末に手に入れて以来愛用するギブソンES-335（セミアコースティック・ギターの名器）に由来し、彼の愛称「Mr. 335」もここから定着しました。アルバムはこのRoom 335で、プロデュースからエンジニアリング、ミックスまでカールトン自身の手で仕上げられています。他人の音楽を支え続けたセッションマンが、自分の城で自分の音を作り上げた——その背景を知ると、本作ののびのびとした空気にも納得がいきます。

代表曲「Room 335」のコード進行について、カールトン本人は「自分が参加したスティーリー・ダンの『Peg』の冒頭4つのコードがもとになっている。ただしブリッジ（中間部）は『Peg』に似ないよう変えた」と語っています。また「Nite Crawler」はクルセイダーズの1977年作『Free As The Wind（旋風に舞う）』で発表した自作曲のセルフ・リメイクで、邦題『夜の彷徨』はこの曲のイメージに由来するともいわれています。セッションとバンドの現場で培ったすべてが、この一枚に流れ込んでいるのです。

特筆すべきは日本での人気です。本国アメリカではBillboard 200で最高174位（ジャズ・アルバム・チャートでは最高12位）でしたが、日本ではオリコンLPチャートで最高46位、トップ100内に16週ランクインと、本国以上の支持を集めました。70年代後半の日本のフュージョン・ブームを象徴する一枚であり、ワーナーミュージック・ジャパン公式も「日本に大ブームを巻き起こしたフュージョン・ギター名作中の名作」と紹介しています。

参加メンバー

参加しているのは、いずれも当時のLAスタジオ・シーン最高峰のセッション・ミュージシャンばかりです。人数を絞ったぶんひとりひとりの音がよく見え、名手たちの会話のようなアンサンブルをじっくり味わえます。

• ラリー・カールトン（ギター、リード・ボーカル） … 本作の主役。ギターだけでなく2曲でリード・ボーカルもとり、プロデュースとエンジニアリングまで手がけています
• グレッグ・マティソン（キーボード） … カールトンを支えるLAセッション界の実力派鍵盤奏者
• エイブラハム・ラボリエル（ベース） … この後LAセッション界のファースト・コール（指名第一候補）ベーシストへと駆け上がる名手
• ジェフ・ポーカロ（ドラムス） … TOTO結成（デビューは本作と同じ1978年）前後の時期にあたる、伝説的グルーヴ・マスター
• パウリーニョ・ダ・コスタ（パーカッション） … ブラジル出身の名パーカッショニスト。「Rio Samba」などで存在感を発揮します
• ウィリアム・“スミッティ”・スミス（バッキング・ボーカル、コーラス・アレンジ） … 本作のボーカル曲2曲の共作者でもある重要人物
• ジェラルド・ヴィンチ（コンサートマスター） … ストリングス・セクションを率いるリーダー役

全曲解説

オリジナルLP収録の全8曲を、曲順どおりに紹介します。

1. Room 335（作曲：ラリー・カールトン）

カールトン最大の代表曲にして、本作の代名詞。メジャー7thコード（明るく浮遊感のある響き）を基調とした爽やかな進行の上を、ES-335のウォームなトーンが歌うように駆け抜けます。イントロからテーマ、ソロに至るまで「当時のギター小僧の多くがコピーした」と語り草になっており、現在ではフュージョン・ギターの必修レパートリー。次曲とのカップリングでシングル・カットもされました。

2. Where Did You Come From（作曲：ウィリアム・“スミッティ”・スミス／エリック・マーキュリー）

邦題「彼女はミステリー」。カールトン自身がリード・ボーカルをとる、メロウなAOR（大人向けの洗練されたポップス）／ソウル調の歌ものです。ギタリストのアルバムとしては異色のボーカル曲ですが、当時のLAサウンドらしい洗練された仕上がりで、アルバムの流れに心地よい変化をつけています。

3. Nite Crawler（作曲：ラリー・カールトン）

邦題「ナイト・クロウラー」。クルセイダーズの1977年のアルバム『Free As The Wind（邦題：旋風に舞う）』で発表された自作曲のセルフ・リメイクです。ミディアム・テンポの粘るファンク・グルーヴの上で、レイドバックした（力の抜けた、後ノリの）ギターがじっくりと歌う、夜の空気をまとった一曲です。

4. Point It Up（作曲：ラリー・カールトン）

アップテンポでアグレッシブなファンク・フュージョン。バンドの一体感と、普段はメロウな印象の強いカールトンの攻めたソロが際立つ、A面の締めにふさわしい熱演です。

5. Rio Samba（作曲：ラリー・カールトン）

邦題「リオのサンバ」。ラテン／サンバ・フレイバーの長尺曲で、AllMusicのレビュー（ジェイソン・イーライアス）では「アルバムのベスト・トラック」に挙げられています。ジェフ・ポーカロのドラミングとパウリーニョ・ダ・コスタのパーカッションの絡みは、リズム好きにはたまらない聴きどころです。

6. I Apologize（作曲：ウィリアム・“スミッティ”・スミス／エリック・マーキュリー）

邦題「恋のあやまち」。カールトンが歌うもう1曲のボーカル・ナンバーで、こちらはソウルフルなバラード調です。歌声と、その合間を縫うギターのオブリガート（歌に寄り添う伴奏フレーズ）の両方を味わえます。

7. Don’t Give It Up（作曲：ラリー・カールトン）

邦題「希望の光」。大きなスケールでじっくりと聴かせる曲です。ゴスペル／ソウル的な高揚感を持つとされ、タイトルどおり終盤に向けてアルバムの温度を静かに上げていきます。

8. (It Was) Only Yesterday（作曲：ラリー・カールトン）

邦題「昨日の夢」。アルバムをしっとりと締めくくるメロウなクローザーです。夜更けの余韻のような穏やかなムードは、『夜の彷徨』というタイトルの結びにふさわしい一曲といえるでしょう。

聴きどころ・なぜ名盤なのか

本作最大の魅力は、「歌うギター」というカールトンの美学が、自宅スタジオの親密な空気の中で結晶している点です。テクニックをひけらかすのではなく、一音一音のトーンとフレーズの歌い回しで聴かせる。この姿勢は「Room 335」のソロに凝縮されており、「ES-335＝メロウ・フュージョン」というイメージを決定づけた点で、ジャズギター史・機材史の両面から見ても重要な一枚です。

もうひとつの魅力は、スモール・コンボの生っぽいグルーヴです。ラボリエル、ポーカロ、ダ・コスタという鉄壁のリズム隊が生むしなやかなうねりと、自宅スタジオならではのリラックスした空気が同居した、今聴いても古さを感じさせない洗練されたサウンド。AllMusicも5点満点中4点と高く評価しました。

そして本作は、カールトンのソロ・キャリアの出発点でもあります。この成功を足がかりに彼はワーナーで『Strikes Twice』『Sleepwalk』『Friends』と快進撃を続け、1981年にマイク・ポストと録音した全米トップ10ヒット「ヒル・ストリート・ブルースのテーマ」では、翌1982年にグラミー賞（最優秀ポップ・インストゥルメンタル・パフォーマンス）を受賞。2025年にはワーナー期を集成した3CDボックス『The Warner Brothers Anthology』が登場するなど、再評価はいまなお続いています。すべてはこの一枚から始まったのです。

こんな人におすすめ

• フュージョン・ギターの入門盤を探している人 … 全8曲・約41分とコンパクトで、メロウからファンクまでバランスよく味わえる構成だからです
• ES-335やセミアコのトーンが好きなギタリスト … 「Mr. 335」の原点となった、セミアコの歌わせ方の教科書のような演奏が詰まっています
• スティーリー・ダンや70年代LAサウンドのファン … 「Peg」由来のコード進行を持つ「Room 335」をはじめ、あの時代のLAの空気をたっぷり楽しめます
• 夜にゆったり聴ける大人のインスト作品を探している人 … 邦題『夜の彷徨』のとおり、夜更けのリスニングにぴったりの温度感です

まとめ

『Larry Carlton（夜の彷徨）』は、ラリー・カールトンが自宅スタジオ「Room 335」で自らの音楽を存分に鳴らした、ソロ・キャリアの実質的な出発点です。愛器ES-335に由来するスタジオ名、スティーリー・ダン「Peg」から生まれた代表曲——エピソードのひとつひとつが、名脇役から「Mr. 335」へと羽ばたく瞬間を物語っています。

派手さではなく、トーンと歌心で勝負する。その美学は現在のジャズギターにも脈々と受け継がれています。まだ聴いたことのない方は、ぜひ夜の時間帯に「Room 335」から再生してみてください。本国以上に日本で愛されてきたこの名盤の魅力は、きっと一聴で伝わるはずです。

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25歳で世を去ったクリスチャンは、自身がリーダーのセッションを一度も残せませんでした。それでも「モダン・ジャズギターの父」として名が語り継がれる理由が、このアルバムに詰まっています。彼の生涯や奏法の背景については チャーリー・クリスチャンとは？（人物紹介記事） で詳しく紹介していますので、あわせてどうぞ。

アルバム基本情報

演奏の中心はベニー・グッドマン・セクステット（1940年秋以降は管楽器が加わった実質7人編成の「新セクステット」）で、「Solo Flight」のみグッドマン楽団のフルビッグバンドによる演奏です。

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どんなアルバム？

まず押さえたいのは、本作がクリスチャンの「リーダー作」ではない点です。彼はリーダー・セッションを残さないまま亡くなったため、彼名義のアルバムはすべてサイドマン録音の編集盤。本作は1987年に編まれた16曲入りで、彼のスタジオ録音キャリアのほぼ全体を凝縮しています。なお2002年には同タイトルの4枚組CDボックスも出ており、こちらは別テイクや未発表音源まで網羅した完全版。本記事で扱う16曲入りオリジナル盤とは別物です。

見出したのは名プロデューサーのジョン・ハモンド。1939年、オクラホマシティで無名だった彼をグッドマンに推薦します。同年8月、ロサンゼルスでの事実上のオーディションでは、グッドマンが「知らないだろう」と踏んで指定した「Rose Room」を約20コーラス（コーラス＝コード進行の1回し）も即興で弾き続け、その場で採用。ギャラは一晩2ドル50セントから週給150ドルへ跳ね上がったと伝えられます。

グループの変遷も聴きどころです。初期はライオネル・ハンプトンやフレッチャー・ヘンダーソンを擁するセクステットでしたが、1940年秋からクーティ・ウィリアムス（トランペット）とジョージー・オールド（テナー・サックス）が加わり、ピアノにカウント・ベイシーが客演する「新セクステット」へ発展します。

面白いのは、最終セッション（1941年3月13日）の「Waiting for Benny」と「Blues in B」。遅刻したグッドマンを待つ間のジャムをエンジニアの機材が捉えていた、いわば「隠し録り」音源です。リラックスしたクリスチャンの素顔が聴ける貴重な記録で、ビバップにつながる萌芽も聴き取れるとされます。また「Breakfast Feud」が複数の別テイクからソロを繋いだ編集版（スプライス）とされる点も知っておきたいところです。

参加メンバー

複数セッションの編集盤のため、曲によって顔ぶれが入れ替わります。中心メンバーは以下のとおりです。

• チャーリー・クリスチャン（エレクトリック・ギター） … 全曲に参加する本作の主役。ギブソンES-150を使用
• ベニー・グッドマン（クラリネット） … 「キング・オブ・スウィング」と呼ばれたスター。クリスチャンを抜擢した
• ライオネル・ハンプトン（ヴィブラフォン） … 初期セクステットの華。ギターとの掛け合いが聴きもの
• フレッチャー・ヘンダーソン（ピアノ） … ビッグバンド・スウィングを支えた大物。初期セッションに参加
• カウント・ベイシー（ピアノ） … 1940年秋以降のセッションに客演した名バンドリーダー
• クーティ・ウィリアムス（トランペット） … エリントン楽団出身の名手。「新セクステット」の要
• ジョージー・オールド（テナー・サックス） … 同じく「新セクステット」でサウンドに厚みを加えた
• アーティ・バーンスタイン（ベース） … ほぼ全セッションで土台を支えた屋台骨
• ジョー・ジョーンズ（ドラムス） … ベイシー楽団の名ドラマー。1941年1月のセッションに参加

このほか、ニック・ファトゥール、ハリー・イェーガー、デイヴ・タフ（ドラムス）、ダドリー・ブルックス、ジョニー・ガルニエリ（ピアノ）らが参加しています。

全曲解説

オリジナル盤の全16曲を、曲順どおりに見ていきましょう（作曲者クレジットは盤や資料により表記が揺れるため、ここでは一般的なクレジットを記載します）。

1. Rose Room（作曲：アート・ヒックマン、ハリー・ウィリアムス）

オーディション伝説の因縁曲にして、初スタジオ・セッション（1939年10月2日）からの1曲。1917年生まれのスタンダードがエレクトリック・ギターで生まれ変わります。この1939年録音は2024年、米国議会図書館の「ナショナル・レコーディング・レジストリー」に登録されました。

2. Seven Come Eleven（作曲：ベニー・グッドマン、チャーリー・クリスチャン）

クリスチャンとグッドマンの共作による代表的なリフ・チューン（リフ＝短いフレーズの反復を軸にした曲）。後年多くのギタリストにカバーされる定番レパートリーとなりました。

3. Till Tom Special（作曲：ベニー・グッドマン、ライオネル・ハンプトン）

ハンプトンとの共作クレジットを持つリフもの。ヴィブラフォンとギターの軽快な掛け合いが楽しめます。

4. Gone with “What” Wind（作曲：ベニー・グッドマン、カウント・ベイシー）

映画『風と共に去りぬ』をもじった遊び心あるタイトルのブルースです。

5. Grand Slam（作曲：ベニー・グッドマン）

原題は「Boy Meets Goy」（後に改題）。コンパクトな尺にドライブ感あふれるソロが詰まっています。

6. Six Appeal（作曲：ベニー・グッドマン）

盤面クレジットはグッドマンですが、クリスチャン作とする資料も多い曲（副題「My Daddy Rocks Me」）。流麗なシングルライン奏法（単音でメロディを紡ぐソロ）がとりわけよく分かる演奏です。

7. Wholly Cats（作曲：ベニー・グッドマン）

「新セクステット」第1弾セッション（1940年11月7日）からの1曲。編成拡大でサウンドが一気にモダンになります。

8. Royal Garden Blues（作曲：クラレンス・ウィリアムス、スペンサー・ウィリアムス）

ディキシーランド・ジャズの古典をスウィング流に再解釈した演奏です。

9. As Long as I Live（作曲：ハロルド・アーレン、テッド・ケーラー）

アーレン＝ケーラーの歌ものスタンダードを題材に、クリスチャンがメロディックなソロを聴かせます。

10. Benny’s Bugle（作曲：ベニー・グッドマン）

ベイシーの端正なピアノとクリスチャンのブルース・フレーズの対比が楽しめるブルースです。

11. Breakfast Feud（作曲：ベニー・グッドマン）

クリスチャンの「ブルース・フレージングの教科書」と名高い曲。本盤収録版は複数テイクのソロを繋いだ編集版とされ、あふれるアイデアを連続で味わえます。

12. I Found a New Baby（作曲：ジャック・パーマー、スペンサー・ウィリアムス）

1926年の曲をアップテンポで快走。ジョー・ジョーンズのドラムが推進します。

13. Solo Flight（作曲：ベニー・グッドマン、チャーリー・クリスチャン、ジミー・マンディ）

フルビッグバンドを従えた事実上の「ギター協奏曲」（編曲ジミー・マンディ）。クリスチャン最大のショーケースで、没後の1944年初頭にシングル発売されるとポップ・チャート16位、ハーレム・ヒット・パレード（R&Bチャートの前身）で1位を記録しました。

14. Blues in B（作曲：ベニー・グッドマン）

管楽器では滅多に使われないBのキーで演奏されるブルース。クレジットはグッドマン名義ですが、実態はリーダー到着前のメンバーによる集団即興です。

15. Waiting for Benny（作曲：ベニー・グッドマン）

遅刻したリーダーを待つ間の即興ジャムで、リラックスしたクリスチャンのフレーズの宝庫。ビバップ前夜の空気を伝える貴重な記録です。

16. Air Mail Special（作曲：ベニー・グッドマン、チャーリー・クリスチャン、ジミー・マンディ）

録音時の原題は「Good Enough to Keep」。クリスチャンがたっぷりとスペースを取って歌い切るソロは必聴です。後に多くの演奏家が取り上げるジャズ・スタンダードとなった、締めくくりにふさわしい快演です。

聴きどころ・なぜ名盤なのか

最大の聴きどころは、ギターの役割が変わる瞬間に立ち会えることです。クリスチャンはエレクトリック・ギターを録音した最初の人物ではありませんが、レスター・ヤングらホーン奏者のフレージングをギターに持ち込み、リズム楽器だったギターをソロ楽器へ引き上げた最重要人物です。批評家のスコット・ヤナウも、1940〜65年に登場したジャズギタリストのほぼすべてがクリスチャンの影響下にあったと評しています。その影響はウェス・モンゴメリーやジム・ホールからB.B.キングらブルース／ロック系にまで波及。1990年にはロックの殿堂入り（アーリー・インフルエンス部門）も果たしました。

もうひとつの魅力は、制約のなかの完成度です。SP盤（78回転レコード）時代のモノラル録音のため各曲は3分前後、ソロは1〜2コーラスだけ。しかしその短さのなかでソロはどれも起承転結を持ち、どこを切っても「歌」になっています。短く密度が高いぶん、コピー（採譜して練習すること）の素材にも理想的。AllMusicも本作を、彼のクラシックな名演のほとんどを収録した一枚と高く評価しています。

そして本作は、スウィングからビバップへ動き出す時代の記録でもあります。クリスチャンは1941年、ハーレムのミントンズ・プレイハウスのジャム・セッションに夜な夜な通い、セロニアス・モンクやケニー・クラーク、ディジー・ガレスピーらとビバップ胎動期を担いました。「Waiting for Benny」や「Blues in B」に、その予感が聴き取れます。

こんな人におすすめ

• ジャズギターの歴史を源流からたどりたい人 … ウェスもジム・ホールも、さかのぼればここに行き着きます。「最初の1ページ」に最適です
• ソロの語彙を増やしたい初心者〜中級者のギタリスト … 1〜2コーラスに凝縮されたソロは短く分析しやすく、ブルース・フレージングの教材の宝庫です
• スウィング時代の小編成ジャズが好きな人 … ハンプトンやベイシーらが交わるスモール・コンボの黄金期を味わえます
• 録音にまつわる物語に惹かれる人 … オーディション伝説、隠し録りジャム、チャート1位と、曲ごとに語れるエピソードが詰まっています

まとめ

『The Genius of the Electric Guitar』は、リーダー作を残せなかった天才の「実質的な代表作」です。わずか1年半ほどの録音期間に、ギターがソロ楽器として歌い始めた瞬間から、スモール・コンボの進化、ビバップ前夜の空気までが収められています。古いモノラル録音と身構える必要はありません。その凝縮こそが、ソロの完成度を際立たせています。

聴く人にも弾く人にも、本作はいつか必ず戻ってくる「原点」になるはずです。まずは「Seven Come Eleven」や「Rose Room」から、80年以上前の革命の音を確かめてみてください。探す際は2002年の同名4枚組ボックスと間違えないよう、16曲入りかどうかもご確認を。

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本記事では、この『Moonlight in Vermont』の成り立ちから参加メンバー、オリジナル盤全12曲までをじっくり解説します。スミスの経歴や奏法の全体像を先に知りたい方は、ジョニー・スミスとは？（人物紹介記事）もあわせてお読みください。

アルバム基本情報

編成はギター＋テナー・サックス＋ピアノ＋ベース＋ドラムのクインテット（5人組）で、名義は「ジョニー・スミス・クインテット・フィーチャリング・スタン・ゲッツ」です。

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どんなアルバム？

ジョニー・スミスは1922年、アラバマ州バーミングハム生まれ。独学でギターを身につけ、1946年から51年までNBCの専属スタジオ・ギタリスト兼アレンジャーを務めた人物です。放送の現場で鍛えられた超一流の読譜力と正確無比なテクニックは、当時のニューヨークでも際立った存在でした。

1952年3月11日、スミスは自身のグループに、当時25歳のスタン・ゲッツを迎えてレコーディングを行います。ここで生まれたのが「Moonlight in Vermont」でした。音源はまずシングルと10インチLP『Jazz at NBC』（Royal Roost RLP-410）として世に出ます。なおこのタイトルはスミスがNBC専属だったことにちなむもので、NBCのスタジオで録音されたという意味ではない、とされています。

「Moonlight in Vermont」はジャズとしては異例のヒットとなり、ジャズ・ファンの枠を超えるベストセラーになったと伝えられます。DownBeat誌の1952年読者投票では年間ジャズ・レコード第2位に選出され、スミスは「King of the Cool Jazz Guitar（クール・ジャズ・ギターの王）」と称されるようになりました。さらにこの成功はゲッツの知名度も押し上げ、名プロデューサー、ノーマン・グランツとの契約につながったとされています。

本作『Moonlight in Vermont』はこのヒットを受けて、1952〜53年に録音された10インチLP『Jazz at NBC』2枚の音源を再編集し、1956年9月に12インチLPとして発売された編集盤です。同年の年間No.1ジャズ・アルバムになったとも伝えられます。

参加メンバー

名義は「featuring Stan Getz」ですが、実際にゲッツが吹いているのは12曲中6曲。残りはズート・シムズが2曲、ポール・クイニシェットが4曲を担当しており、3人のテナー奏者の聴き比べも本作の楽しみのひとつです。録音時期によりリズム・セクションも入れ替わっています。

• ジョニー・スミス（ギター） … リーダー。元NBC専属ギタリストで、精密なコード・ワークと歌うようなシングル・ラインを兼ね備えた名手。全曲に参加。
• スタン・ゲッツ（テナー・サックス） … 録音当時25歳。柔らかなサブトーン（息を多く混ぜた音色）が持ち味。6曲に参加。
• ズート・シムズ（テナー・サックス） … 歌心あふれるプレイで知られる名テナー。2曲に参加。
• ポール・クイニシェット（テナー・サックス） … レスター・ヤング直系の音色から「ヴァイス・プレス」と呼ばれた奏者。4曲に参加。
• サンフォード・ゴールド（ピアノ） … 全セッションに参加し、静かな彩りを添えるピアニスト。
• エディ・サフランスキー（ベース） … 1952年3月・4月のセッションに参加。
• ボブ・カーター（ベース） … 1952年11月のセッションに参加。
• アーノルド・フィッシュキンド（ベース） … 1953年8月のセッションに参加。
• ドン・ラモンド（ドラム） … 4回中3回のセッションを支えた実質的なレギュラー・ドラマー。
• モーリー・フェルド（ドラム） … 1952年11月のセッションに参加。

全曲解説

現行のCD・配信は19曲入りで曲順も異なるため、ここでは1956年オリジナルLP基準の全12曲を、当時の曲順どおりに紹介します。

1. Moonlight in Vermont（作曲：Karl Suessdorf）

本作の代名詞にして、ジャズギター史に残る名演です。スミスはピアニスティックな幅広のグリップから生まれる独特のクローズド・ヴォイシング（密集和音）でテーマを和音化し、低音域から最高音域までを一続きに駆け上がるようなアルペジオを聴かせます。ゲッツのサブトーンとの溶け合いは何度聴いてもため息もの。後のギタリストたちの手本になったと評される1曲です。

2. Tabu（作曲：Margarita Lecuona）

ラテン由来のナンバーで、静かな編成のなかに異国的な色彩感がにじむ1曲。Guitar Player誌のレビューでは、カントリー系の超絶技巧派ジミー・ブライアントでも手を焼きそうなフレーズを余裕たっぷりに弾きこなす、スミスの技巧の見せ場として取り上げられました。ゲッツのテナーとスミスのギターが陰影豊かな世界を描きます。

3. Tenderly（作曲：Walter Gross）

有名スタンダードを、スミスならではの緻密なコード・ワークでじっくりと。Guitar Player誌が表題曲と双子のようだと評した演奏で、和音の積み方ひとつでバラードがどこまで豊かになるかを教えてくれます。

4. Cavu（作曲：Johnny Smith）

スミスのオリジナル曲。この曲ではテナーがポール・クイニシェットに交代します。1953年8月のセッションからの1曲で、レスター・ヤング直系の軽やかなテナーとスミスの精密なギターの組み合わせが楽しめます。

5. A Ghost of a Chance（作曲：Victor Young）

ズート・シムズが参加する、1952年4月録音のバラード。歌心で知られるシムズのテナーが、スミスの繊細な伴奏の上でメロディをじっくり歌い上げます。

6. Jaguar（作曲：Johnny Smith）

スミス自作の高速ナンバーで、彼の代表的オリジナルとして知られる1曲。正確無比な高速シングルノートの見せ場で、静のイメージが強い本作における「動」の顔です。テナーはゲッツが担当します。

7. Stars Fell on Alabama（作曲：Frank Perkins）

B面はゲッツ参加のスタンダードから。アラバマ出身のスミスが、故郷の名を冠した曲を取り上げているのが味わい深い1曲です。

8. Where or When（作曲：Richard Rodgers）

ロジャース＆ハートの名曲によるバラード。遅いテンポでこそ真価を発揮する、スミスの繊細なタッチと正確さが堪能できます。ちなみに現行CD・配信ではこの曲がアルバムの幕開けに置かれています。

9. I’ll Be Around（作曲：Alec Wilder）

アレック・ワイルダー作の隠れた名バラードを、クイニシェットのテナーとともに。静けさのなかで一音一音を置いていくような演奏は、深夜のリスニングにぴったりです。

10. Cherokee（作曲：Ray Noble）

ビバップの試金石としても知られるアップテンポの技巧派ナンバー。クイニシェットとの快演で、スミスの運指の正確さとスピードを改めて見せつけます。

11. Yesterdays（作曲：Jerome Kern）

ジェローム・カーンのスタンダード。ここでもスミスのタッチの美しさが際立ち、遅いテンポの曲で光る丁寧な音づくりを味わえます。

12. Vilia（作曲：Franz Lehár）

アルバムの締めくくりは、レハールのオペレッタ《メリー・ウィドウ》からという異色の選曲。シムズ参加のナンバーで、スタジオの現場で膨大なレパートリーをこなしてきたスミスの懐の深さを物語ります。

聴きどころ・なぜ名盤なのか

本作の核心は、スミスのクローズド・ヴォイシングによるコード・メロディと、ホーンのように歌うシングル・ラインにあります。室内楽のような静けさをまとったサウンドは、当時発展しつつあったクール・ジャズを代表する録音のひとつと位置づけられ、Guitar Player誌は「全曲が素晴らしく、捨て曲は一切ない」と絶賛しています。曲によってギターがピアノのようにも、ホーンのようにも響くのも本作の面白さです。

影響の広がりも特筆ものです。ハービー・ハンコックがジャズにのめり込むきっかけになった録音とされ、ロカビリーのエディ・コクランにも影響を与え、チェット・アトキンスは最も好きなジャズ・ギタリストにスミスを挙げました。エレキギターの歴史書『A Concise History of the Electric Guitar』でも、エレキギター史の重要録音のひとつとして取り上げられています。ジャンルの垣根を越えて「ギターの可能性」を示した1枚と言えるでしょう。

こんな人におすすめ

• コード・メロディを学びたいギタリスト … クローズド・ヴォイシングによるテーマ演奏の最高峰。教材として繰り返し聴く価値があります。
• 静かに聴けるジャズを探している人 … 室内楽的な落ち着いたサウンドで、夜のリスニングや作業のお供に最適です。
• スタン・ゲッツのファン … ブレイク前夜、25歳のゲッツの柔らかなテナーが聴けるうえ、シムズ、クイニシェットとの聴き比べも楽しめます。
• ジャズギターの歴史をたどりたい人 … 後世のギタリストに大きな影響を与えた、ジャンル史の分岐点となる録音です。

まとめ

『Moonlight in Vermont』は、1952〜53年の録音を1956年にまとめた編集盤でありながら、全体をひとつの静かな世界観が貫く不思議なアルバムです。テナーが3人入れ替わってもぶれないのは、中心にジョニー・スミスのギターという確固たる軸があるから。コード・メロディの美しさ、高速パッセージの正確さ、バラードでのタッチの繊細さと、ギターの魅力が全方位で詰まっています。

まずはオリジナル盤の曲順で、表題曲から「Vilia」までを通して聴いてみてください。さらに深く知りたくなったら、2002年にMosaicから発売された8枚組ボックス『The Complete Roost Johnny Smith Small Group Sessions』という沼も待っています。静けさの奥にある豊かさを、ぜひ体感してほしい1枚です。

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当時のマローンはダイアナ・クラール・トリオのギタリストとして注目を集めていた30代半ば。本作はリーダーとしての実力を世に示した、キャリアの転機となる一枚でもあります。マローンの経歴や人物像については、ラッセル・マローンとは？（人物紹介記事）で詳しくまとめていますので、あわせてご覧ください。

アルバム基本情報

編成はマローンのギターにピアノ・ベース・ドラムスを加えたカルテット（4人編成）が基本で、2曲のみパーカッションが加わるクインテット（5人編成）になります。

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どんなアルバム？

本作はマローンのリーダー作としては通算3作目。Columbiaからの『Russell Malone』(1992)、『Black Butterfly』(1993)以来、約5年ぶりのリーダー・アルバムであり、Impulse!移籍第1弾にあたります。1995年から1999年にかけて、マローンはダイアナ・クラール・トリオの一員として『Love Scenes』(1997)などのグラミー・ノミネート作に参加しており、本作はまさにその活動と並行して制作されました。

プロデュースを手がけたのは、クラール作品も担当していた名匠トミー・リプーマ。この人脈がImpulse!移籍につながったとみられています。All About Jazzのレビューでは、1998年末にクラール・トリオから独立するタイミングに合わせたリリースだったと紹介されており、「一本立ちするマローン」を印象づける一枚でした。

録音は1998年2月、ニューヨークの名門Avatar Studios（旧Power Station）でわずか3日間で行われました。録音・ミックスはアル・シュミット、マスタリングはダグ・サックスという、音の良さで知られる超一流エンジニア陣。マローンのギターの木質感のある太い音色が、驚くほど生々しく捉えられています。

タイトルの「Sweet Georgia Peach」は、マローンの故郷ジョージア州が「Peach State（桃の州）」と呼ばれることにちなむとされます。収録曲には、ジャズの定番曲「Sweet Georgia Brown」を下敷きにしたセロニアス・モンクの「Bright Mississippi」も選ばれており、故郷への想いと選曲がさりげなく響き合う構成です。

参加メンバー

当時30代半ばのマローンを、ジャズ史に名を残すベテラン勢ががっちり支える布陣です。特にロン・カーターとはその後も長く共演が続き、晩年のマローンはカーターのGolden Striker Trioのレギュラー・ギタリストを務めました。

• ラッセル・マローン（ギター） … 1963年ジョージア州オールバニ生まれ。ウェス・モンゴメリー〜ジョージ・ベンソン直系の正統派ギタリスト
• ケニー・バロン（ピアノ） … 歌心と品格を兼ね備えた名ピアニスト。本作ではデュオでも聴きどころを作る
• ロン・カーター（ベース） … マイルス・デイヴィス・クインテットで知られるジャズ・ベースの巨人
• ルイス・ナッシュ（ドラムス） … 数多くの名盤を支えてきた、しなやかで正確なドラミングの名手
• スティーヴ・クルーン（パーカッション） … 「Mugshot」「Rise」の2曲のみ参加し、グルーヴに彩りを添える

全曲解説

オリジナル米国盤の全11曲を、1曲ずつ聴きどころとともに紹介します。

1. Mugshot（作曲：Russell Malone）

パーカッション入りのファンキーなオープナー。リラックスした曲調の中に、アトーナル（調性をあえて外した響き）なコードを織り交ぜたソロが顔を出し、正統派だけでは終わらないマローンの引き出しの多さを最初から見せてくれます。

2. To Benny Golson（作曲：Russell Malone）

作曲家・サックス奏者として知られるベニー・ゴルソンに捧げられたオリジナルのバラード系ナンバー。先人への敬意をじっくりと歌い上げます。

3. Strange Little Smile / With You I’m Born Again（作曲：前半 Russell Malone／後半 Carol Connors & David Shire）

自作曲と、ビリー・プレストン&シリータの1979年のヒット曲（映画『Fast Break』のために書かれたデュエット）をつないだメドレー。冒頭、滝のように連なって流れ落ちるソロ・ギターは、レビューサイトSputnikmusicで「秋の落ち葉が舞い落ちるかのよう」と評された名演です。

4. Sweet Georgia Peach（作曲：Russell Malone）

表題曲は、アルバム中では数少ないアップテンポで少しファンキーなナンバー。マローンの遊び心が前面に出た、思わず体が揺れる一曲です。

5. Rise（作曲：Andy Armer & Randy “Badazz” Alpert）

トランペット奏者ハーブ・アルパートの1979年全米No.1ヒットのカバー。パーカッション入りのグルーヴィーな演奏に、マローンの音楽的視野の広さが表れています。

6. Mean What You Say（作曲：Thad Jones）

名トランペッター／作編曲家サド・ジョーンズの佳曲。じっくりと腰を据えて展開していく演奏で、カルテットの一体感が味わえます。

7. Song for Darius（作曲：Russell Malone）

叙情的なオリジナル・ナンバー。献呈相手が誰なのかは資料からは確認できていませんが、メロディの美しさに耳を傾けたい一曲です。

8. Bright Mississippi（作曲：Thelonious Monk）

「Sweet Georgia Brown」を下敷きにしたモンク曲を、ケニー・バロンとのデュオ（二人だけの演奏）で。速いテンポの中でスリリングな掛け合いが繰り広げられ、AllMusicのレビューが「文句なしにこのCDのハイライト」と断言した白眉です。

9. Someone’s Rocking My Dreamboat（作曲：Leon René / Otis René / Emerson Scott）

ヴォーカル・グループのインク・スポッツで知られる1941年の曲。レトロで温かい雰囲気が漂う一曲です。

10. For Toddlers Only（作曲：Ron Carter）

共演者ロン・カーターの作品を取り上げた、ベーシストへの敬意が伝わる選曲。バンドの信頼関係がそのまま音になったような演奏です。

11. Swing Low, Sweet Chariot（トラディショナル）

黒人霊歌（アフリカ系アメリカ人の間で歌い継がれてきた宗教歌）をアルバムの最後に。マローンのゴスペル的なルーツを感じさせる、静かで敬虔なクローザーです。

なお、欧州盤や日本盤のCDには、12曲目としてジェローム・カーン作のスタンダード「Yesterdays」がボーナス収録されています（日本盤ではギター・ソロと表記）。オリジナルの米国盤は上記の11曲構成です。

聴きどころ・なぜ名盤なのか

最大の聴きどころは、やはりマローンのギターそのものです。太く艶のあるトーンで、メロディを慈しむように歌わせるプレイは、ウェス・モンゴメリーからジョージ・ベンソンへと続く正統派ジャズギターの系譜を、90年代に受け継ぎアップデートした代表例といえるでしょう。ミディアム〜スローの落ち着いたテンポが基調なので派手さはありませんが、その分「音色と歌心」というジャズギターの本質がじっくり味わえます。

そして、リプーマ＝シュミット＝サックスという制作陣による極上の音質。ギターの弦の鳴りや空気感まで伝わる録音は、オーディオ的な観点からも高く評価されています。ハイライトのバロンとのデュオ「Bright Mississippi」をはじめ、名手たちとの対話が良い音で残されていること自体が、本作の大きな価値です。

発表から時を経たレビューサイトSputnikmusicの回顧レビューでも4.5/5と高く評価され、何度でも聴き返したくなる「温かな親しみ」の空気が称えられました。2024年8月、マローンはロン・カーターのトリオでの来日公演中に60歳で急逝し、以後、本作を含む代表作は改めて聴き直されています。いまマローンを聴き始めるなら、まずこの一枚だと思います。

こんな人におすすめ

• 正統派ジャズギターが好きな人 … ウェス・モンゴメリー〜ジョージ・ベンソン直系の王道スタイルを、90年代最高峰の演奏で味わえます
• ジャズギターをこれから聴き始める初心者の方 … 落ち着いたテンポとわかりやすい歌心で、初めての一枚として安心しておすすめできます
• 音質にこだわるオーディオ好きの人 … アル・シュミット録音＋ダグ・サックスによるマスタリングの、生々しく上質なギターの音が楽しめます
• ダイアナ・クラールのファン … クラール・トリオを支えたギタリストのリーダー作。プロデューサーも同じトミー・リプーマで、共通する上品な空気感があります

まとめ

『Sweet Georgia Peach』は、ダイアナ・クラール・トリオで頭角を現したラッセル・マローンが、豪華メンバーと一流の制作陣を得て「一人のリーダー」として堂々と名乗りを上げた作品です。故郷ジョージアへの想いを込めた表題曲から黒人霊歌のクローザーまで、オリジナルとカバーを織り交ぜた11曲は、マローンという音楽家のルーツと美学をそのまま映し出しています。

ドラマチックな仕掛けはなくても、良い音色と歌心だけで最後まで聴かせてしまう——それがこのアルバムの凄みです。まずはバロンとのデュオ「Bright Mississippi」から、ぜひ一度その艶やかなギターに触れてみてください。きっとアルバム全体を通して聴きたくなるはずです。

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バンドを率いるのは、マイルス・デイヴィスの『Bitches Brew』などで頭角を現したギタリスト、ジョン・マクラフリン。彼の経歴とプレイスタイルは マハヴィシュヌ・オーケストラ（ジョン・マクラフリン）とは？（人物紹介記事） で詳しく紹介していますので、あわせてどうぞ。本記事では、その第一歩となった本作を制作背景から全曲解説まで掘り下げます。

アルバム基本情報

編成はギター、ヴァイオリン、キーボード、ベース、ドラムスによるクインテット（5人編成）で、サックス等の管楽器が一切いない、当時のジャズとしては異例のバンドです。

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どんなアルバム？

マクラフリンは渡米後、マイルス・デイヴィスの『In a Silent Way』『Bitches Brew』『Jack Johnson』への参加や、トニー・ウィリアムス・ライフタイムでの活動を経て、1971年に自身のバンド結成へ踏み切りました。当時の彼はインドの導師シュリ・チンモイに師事しており、「マハヴィシュヌ」はチンモイから授かった宗教名（「マハ」＝偉大な＋ヒンドゥーの神ヴィシュヌ）。バンド名もここに由来します。

ドラムスのビリー・コブハムは、同年のソロ作『My Goal’s Beyond』に参加していた縁で加入。ヴァイオリンは第一候補のジャン＝リュック・ポンティがビザ（入国管理）の問題で参加できず、同作にも加わった元The Flockのジェリー・グッドマンが招かれました。キーボードのヤン・ハマーはミロスラフ・ヴィトウスの推薦で加入し、ベースのリック・レアードはロンドン時代からの旧知。英・米・チェコ・アイルランド（コブハムはパナマ系米国人）の多国籍バンドがこうして誕生しました。

驚くべきはそのスピードです。1971年7月にニューヨークで1週間足らずのリハーサルを行い、7月21日にGaslight at the Au Go Goでジョン・リー・フッカーの前座としてデビュー。マクラフリンは「1stセットは不安定だったが、2ndセットで一気に化けた」と回想しています。そして結成から約1か月後の8月14日には、早くもCBSスタジオで本作を録音。生まれたてのバンドの勢いが、そのまま盤に刻まれているのです。

とはいえ中身はフリーキーな混沌ではありません。全8曲すべてがマクラフリンの作曲で、変拍子や場面転換を含む展開が緻密に設計され、その上で各人の即興が爆発します。マクラフリン自身は本作の背景に、サイケデリック革命や人種問題、ベトナム戦争といった激動の時代の空気を挙げており、まさに「内に秘めた炎」が音になったようなアルバムです。

参加メンバー

いずれも後のフュージョン史に名を残す5人です。管楽器がいないぶん、ギター・ヴァイオリン・キーボードの3者がフロントを担い合うのが本作のサウンドの核になっています。

• ジョン・マクラフリン（ギター） … 全8曲の作曲とプロデュースを手がけたリーダー。当時は「マハヴィシュヌ・ジョン・マクラフリン」名義でした。
• ジェリー・グッドマン（ヴァイオリン） … 元The Flockの米国人ヴァイオリニスト。ギターと対等に渡り合うフロントの一角です。
• ヤン・ハマー（ピアノ、キーボード） … チェコ出身。渡米後はサラ・ヴォーンの伴奏などで活動していました。
• リック・レアード（ベース） … アイルランド出身。ロンドン時代（ロニー・スコッツ周辺）からのマクラフリンの旧友です。
• ビリー・コブハム（ドラムス、パーカッション） … パナマ系米国人。本作の爆発的なドラミングで一躍注目を集めました。

全曲解説

オリジナルLPの曲順に沿って、全8曲（すべてジョン・マクラフリン作曲）を紹介します。

1. Meeting of the Spirits（作曲：ジョン・マクラフリン）

不穏なアルペジオ（コードの音を分散させて弾く奏法）のリフから立ち上がるオープナー。JazzTimes誌が「クラシック的な着想のミニチュア組曲」と形容したとおり場面が次々と展開し、バンドの神秘的な世界観を一発で提示する代表曲です。

2. Dawn（作曲：ジョン・マクラフリン）

「夜明け」の題名どおり、叙情的なテーマから徐々に熱を帯びていく曲。静と動の対比が聴きどころとされ、激烈な曲の合間で呼吸を整える存在です。

3. The Noonward Race（作曲：ジョン・マクラフリン）

タイトルどおりレースのような高速・高エネルギーのナンバー。コブハムの爆発的なドラミングと、マクラフリンの歪んだ高速ソロの応酬は本作屈指の聴きものです。後のライヴでも定番となった曲です。

4. A Lotus on Irish Streams（作曲：ジョン・マクラフリン）

アコースティックギター、ヴァイオリン、ピアノによる静謐な演奏で、Louder誌は「壊れそうなほど繊細（fragile）」と評しました。アイルランド出身のレアードを思わせる曲名も印象的です。

5. Vital Transformation（作曲：ジョン・マクラフリン）

9/8拍子とされる変拍子の上を突進する、ファンク色の濃い激走曲。JazzTimes誌が「くすぶるような激烈さ」と評したコブハムのドラムが全開になります。

6. The Dance of Maya（作曲：ジョン・マクラフリン）

10/8拍子とされる変拍子のアルペジオで幽玄に始まり、中盤で一転してブルース・シャッフル（跳ねるリズムのブルース）になだれ込む構成が有名。バンドの「神秘性」を象徴する曲としてしばしば言及されます。

7. You Know You Know（作曲：ジョン・マクラフリン）

シンプルなギターの反復モチーフが印象的な、抑制された幽玄なナンバー。フレーズの合間を縫うコブハムのドラム・フィルも聴きどころです。後年ヒップホップなどで数多くサンプリングされたことでも知られます。

8. Awakening（作曲：ジョン・マクラフリン）

ラストは一転して短い高速ナンバー。全員のユニゾン（複数の楽器で同じフレーズを弾くこと）と畳み掛けるソロ回しが聴きどころとされ、そのままアルバムを駆け抜けて締めくくります。

聴きどころ・なぜ名盤なのか

ジャズギターの歴史から見ると、本作は決定的な転換点です。ディストーション（歪んだ音色）と大音量、超高速ピッキング、変拍子やインド音楽の語法——それまでのジャズギターになかった要素を本格的に持ち込み、AllMusicに「事実上ジャズとロックのフュージョンを定義した」と言わしめました。ジェフ・ベックやプログレ、後のシュレッド系（超高速テクニック系）ギタリストにまで影響が及んだとされています。

アルバムとしての設計も見事です。「The Noonward Race」「Vital Transformation」のような激走曲の間に「A Lotus on Irish Streams」の静けさが置かれ、緊張と解放が交互に訪れる。静と動の対比で一枚を物語のように聴かせる構成力こそ、本作が名盤と呼ばれるゆえんでしょう。

評価の面でも、デビュー作ながら米Billboard 200で89位、Billboardジャズ・アルバム・チャートで11位を記録し、ジャズとロック双方の聴衆を獲得しました。当時は「技巧は圧倒的だが情感に乏しい」と評価が割れたものの、現在はAllMusicの5つ星満点をはじめ各ガイドで最高評価が並び、次作『Birds of Fire』（1973年）と並ぶ第1期マハヴィシュヌの金字塔とされています。

こんな人におすすめ

• ロック畑からジャズに入りたい人 … ロックの音圧とエネルギーはそのままに、ジャズの即興と構築美が味わえる格好の入口です。
• ジャズギターの「速弾き」の原点を知りたい人 … 後のフュージョン系ギターへ連なる高速ピッキングの出発点です。
• 変拍子やプログレが好きな人 … 9/8や10/8とされる変拍子リフの応酬は圧巻。日本でプログレ文脈から聴き継がれてきたのも頷けます。
• 激しい音楽は少し苦手という人 … 「A Lotus on Irish Streams」など美しいアコースティック曲もあり、静の側面から入るのも立派な聴き方です。

まとめ

『The Inner Mounting Flame』は、マイルス・デイヴィスのもとで名を上げたジョン・マクラフリンが、結成約1か月の多国籍バンドと一気呵成に録音した、フュージョンの原点というべきデビュー作です。管楽器ゼロの5人編成、全曲オリジナル、変拍子と超絶技巧、そして激走と静寂の対比。どこを取っても、1971年にこれが生まれた事実に驚かされます。

「内に秘めた炎」という邦題のとおり、このアルバムには噴き出す寸前の熱が最初から最後まで満ちています。まずは「Meeting of the Spirits」で炎の立ち上がりを、続けて「A Lotus on Irish Streams」で静かな水面を体験してみてください。その落差にはっとしたとき、あなたはもうこのバンドの世界の中にいます。

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録音当時のリトナーは25歳前後。すでにLAで最も多忙なセッション・ギタリストの一人だった彼が、ソロ・アーティストとして本格的に離陸した瞬間を刻んだ一枚でもあります。リトナーの経歴やキャリア全体についてはリー・リトナーとは？（人物紹介記事）で詳しく紹介していますので、あわせてご覧ください。

アルバム基本情報

固定バンドではなく、曲ごとに顔ぶれを組み替える総勢20名超のLAセッション流大編成で録音されています。

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どんなアルバム？

まずタイトルの由来から。「キャプテン・フィンガーズ」とは、リトナーの指の器用さ・超絶技巧を指すニックネームです。一説には、大量のギターを詰め込んだ巨大なケースを運んでいたスタッフが付けたあだ名ともいわれています。冒頭のタイトル曲は、この異名を音で体現するために書かれたとされる「名刺代わりの一曲」です。

リトナーは1973年、21歳でセルジオ・メンデスのバンドに抜擢され、以降はLAで多いときに週15〜20本ものセッションをこなす売れっ子に。生涯のセッション参加数は約3,000に及ぶともいわれ、後年にはピンク・フロイド『The Wall』へのクレジットなしでの参加でも知られています。ソロ・デビュー作『First Course』（1976年）に続くEpicからの第2弾となる本作では、当時最先端のLAジャズ・ファンク／クロスオーバー・サウンド（ジャズを土台にファンクやポップスの要素を融合したスタイル）に本格的に取り組んでいます。バーバンクとハリウッドの3つのスタジオを使い分け、曲ごとに最適なメンバーを集めて録音するスタイルです。

その顔ぶれがまた豪華です。ジェフ・ポーカロ、マイク・ポーカロ、デヴィッド・フォスター、ジェイ・グレイドン、ビル・チャンプリンといった、この直後のTOTO結成からAOR全盛期へとつながっていく面々と、デイヴ・グルーシン、ハーヴィー・メイソン、アンソニー・ジャクソン、パトリース・ラッシェンらジャズ／フュージョン人脈が同居。さらに「ダウィリ・ゴンガ」なる謎の名前でクレジットされたエレクトリック・ピアノ奏者は、契約上の理由によるジョージ・デュークの変名（別名義）とされています。

本作はBillboard 200で最高178位、Jazz Albumsチャートで31位を記録。アルバム・タイトルはそのまま本人の愛称として定着し、翌1978年には続編的タイトルの『The Captain’s Journey』へとつながっていきます。

参加メンバー

曲ごとに編成が変わるため参加者は大人数ですが、ここでは各曲の中核を担う主なメンバーを紹介します。

• リー・リトナー（ギター） … エレクトリックから12弦、クラシック・ギターまでを弾き分ける主役。360 Systems製のポリフォニック・ギターシンセサイザー（ギターの演奏でシンセの音を鳴らせる当時の最新機材）も大々的に使用しています。
• デイヴ・グルーシン（キーボード） … 「Fly by Night」「Sun Song」の2曲を作曲し、アレンジ・指揮も担当する本作の右腕的存在。
• ダウィリ・ゴンガ（エレクトリック・ピアノ） … 契約上の理由によるジョージ・デュークの変名とされる名義。
• パトリース・ラッシェン（エレクトリック・ピアノ） … タイトル曲で豪華鍵盤陣の一角を担う奏者。
• アンソニー・ジャクソン（ベース）／アルフォンソ・ジョンソン（ベース） … タイトル曲では2人同時参加という贅沢な起用。
• ハーヴィー・メイソン（ドラムス） … 7曲中5曲でドラムを叩く、本作のリズムの要。
• ジェフ・ポーカロ（ドラムス）／マイク・ポーカロ（ベース） … ジェフは翌年デビューするTOTOの結成メンバー、マイクも後に同バンドへ加わるポーカロ兄弟。
• デヴィッド・フォスター（エレクトリック・ピアノ） … 後のAOR全盛期を担っていくLA人脈の一人。
• アーニー・ワッツ（サックス） … ソプラノとテナーの両方で2曲に彩りを添える職人。
• ビル・チャンプリン（ヴォーカル） … アルバム唯一のヴォーカル曲で歌声を聴かせるシンガー。

全曲解説

オリジナルLPに収録された全7曲を、曲順に沿って紹介します。

1. Captain Fingers（作曲：Lee Ritenour）

アルバム冒頭を飾る高速フュージョン。バンド一丸となった超絶ユニゾン（全員が同じフレーズを一斉に弾くこと）が圧巻で、リトナーのギターシンセ、グルーシン＋ラッシェン＋デューク（変名）という鍵盤群、アンソニー・ジャクソンとアルフォンソ・ジョンソンの2ベースという豪華布陣が火花を散らします。後年のライブでも定番の、リトナーの代名詞的ナンバーです。

2. Dolphin Dreams（作曲：Lee Ritenour）

一転して叙情的な浮遊感に包まれるナンバー。12弦ギターとアコースティック・ギターの多重録音に、ミシェル・コロンビエ編曲のストリングスが重なります。ライブでも頻繁に演奏されたとされる、ファン人気の高い一曲です。

3. Fly by Night（作曲：Dave Grusin）

グルーシン作のファンキーなミディアム・ナンバー。アーニー・ワッツのソプラノ・サックスに加え、クラヴィネットやミニムーグ（1970年代を象徴する鍵盤楽器）を重ねたグルーシンの多彩なキーボード・ワークが聴きどころです。

4. Margarita（作曲：Lee Ritenour）

リトナー作のラテン・フレーバー曲。アルフォンソ・ジョンソンのベースとハーヴィー・メイソンのドラムが生み出す軽快なグルーヴに乗って、リトナーのギターが伸びやかに歌います。

5. Isn’t She Lovely（可愛いアイシャ）（作曲：Stevie Wonder）

スティーヴィー・ワンダーの名曲カバーで、ビル・チャンプリンが歌うアルバム中唯一のヴォーカル曲。ジェフ・ポーカロ、マイク・ポーカロ、デヴィッド・フォスター、レイ・パーカーJr.という、ほとんど「TOTO前夜」といえる編成です。原曲から大きくアレンジを変え、リトナーのギターを前面に出した解釈が新鮮です。

6. Space Glide（作曲：Mitch Holder, Eddie Arkin）

本曲でリズム・ギターも弾いているミッチ・ホルダーと、エディ・アーキンの共作。ファンク色の強いスムース寄りのナンバーで、アーニー・ワッツのテナー・サックスがフィーチャーされます。

7. Sun Song（作曲：Dave Grusin）

グルーシン作のアコースティックなクローザー。リトナーのクラシック（ガット）ギターにチェロのソロが絡む内省的なバラードで、エレクトリック中心の本編を静かな夕暮れのように締めくくります。

聴きどころ・なぜ名盤なのか

興味深いのは、評価に大きな「ギャップ」があることです。AllMusicのレーティングは5点満点中2つ星と意外なほど低い一方、日本での評価は高く、本作は「リトナーの出世作」として、その後量産されるLAフュージョン・サウンドの「雛型のひとつ」になったと評されることも少なくありません。後に量産される「型」をいち早く完成させたがゆえに、現在の耳には「よくあるサウンド」に聴こえかねない——元祖ならではの宿命を背負った一枚なのです。

音楽的な聴きどころは、リトナーのギターの多面性にあります。タイトル曲の火を噴くようなユニゾン、「Dolphin Dreams」の多重録音が織りなす音の絵画、「Sun Song」のガット・ギターの静謐——1枚の中でこれだけ表情を変えられるギタリストは多くありません。ギターシンセサイザーを大々的に使った早期の例としても重要で、後年ローランド製ギターシンセを積極活用するリトナーの原点がここにあります。

そして歴史的ドキュメントとしての価値です。ポーカロ兄弟、フォスター、グレイドン、チャンプリンという人脈は直後のTOTO結成〜AOR全盛期に直結しており、本作は「フュージョンとAORの交差点」を記録したアルバムとしても語り継がれています。1977年のLAの空気がそのまま封じ込められているのです。

こんな人におすすめ

• フュージョン入門者 … メロディーが明快でグルーヴも心地よく、「LAフュージョンとは何か」を体感できる最初の1枚に最適です。
• TOTOやAORが好きな人 … ポーカロ兄弟、フォスター、グレイドン、チャンプリンが揃った「TOTO前夜」の演奏が聴けます。
• ギターの音作りに興味がある人 … ギターシンセから12弦、ガット・ギターまで、70年代最先端トーンの見本市です。
• スタジオ・ミュージシャンの職人芸を味わいたい人 … 曲ごとに布陣を組み替えるLAセッションの妙を、クレジット片手に楽しめます。

まとめ

『Captain Fingers』は、裏方の名手だったリー・リトナーが、自らのニックネームを掲げてソロ・アーティストとして立ち上がった記念碑的な一枚です。その後のリトナーはフォープレイ結成へと進み、コンテンポラリー・ジャズギターの最重要人物への道を歩んでいきます。

海外レビューの点数だけを見て素通りしてしまうには、あまりにもったいないアルバムです。まずはタイトル曲の圧倒的なユニゾンに驚き、「Dolphin Dreams」の浮遊感に浸り、「Sun Song」の余韻で聴き終えてみてください。1977年のロサンゼルスで最も忙しかった指先が、初めて自分のために鳴らした音——それが『Captain Fingers』です。

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本作は、2017年に亡くなるまで約40年にわたりほぼECM一筋でキャリアを築いたアバークロンビーにとって、すべての出発点となった作品でもあります。彼がどんなギタリストだったのかはジョン・アバークロンビーとは？（人物紹介記事）で詳しく紹介していますので、あわせてご覧ください。

アルバム基本情報

編成はギター、オルガン／キーボード、ドラムスの3人によるトリオです。

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どんなアルバム？

ECMは、プロデューサーのマンフレート・アイヒャーが主宰する西ドイツ（当時）の名門レーベルです。アイヒャーがアバークロンビーに注目したきっかけの一つは、トランペッターのエンリコ・ラヴァの1973年作『Katcharpari』への参加だったと言われています。1944年生まれ、バークリー音楽大学出身のアバークロンビーは1969年にニューヨークへ移り、チコ・ハミルトンやギル・エヴァンス、ブレッカー兄弟のいたドリームスなどと共演を重ね、とりわけビリー・コブハムのバンドではフュージョン・シーンの注目株となっていた、いわば売れっ子サイドマンでした。

面白いのは、リーダー作の誘いを受けたアバークロンビー本人が、当初この話に乗り気でなかったことです。「自分はサイドマンで、オリジナル曲もほとんど書いていない」というのがその理由でした。それでもアイヒャーは粘り強く働きかけを続け、ついに録音が実現します。もしアイヒャーが諦めていたら、ECMを代表するギタリストの40年のキャリアは始まらなかったかもしれません。

共演者として招かれたのは、解散したばかりのマハヴィシュヌ・オーケストラ（ジョン・マクラフリン率いる伝説的フュージョン・バンド）に在籍していた旧友のキーボード奏者ヤン・ハマーと、マイルス・デイヴィス・グループで名を上げたドラマーのジャック・ディジョネット。アバークロンビー本人は後年、「とんでもない2人を雇ってしまった。あまりに上手くて、オープンで、探究心の塊で、超絶技巧で、ついていくのがやっとだった」と冗談めかして振り返っています。実際、盤や配信によっては「Abercrombie / Hammer / DeJohnette」と3名連名でクレジットされることも多く、実質的には3人の共同作品と呼ぶべき内容です。

録音は1974年6月21日と22日、ニューヨークのジェネレーション・サウンド・スタジオで2日間かけて行われました。ヨーロッパ録音の印象が強いECMにあって米国録音という点も本作の特徴で、エンジニアにはトニー・メイとともに、ECMサウンドの立役者として知られるヤン・エリク・コングスハウグが名を連ねています。静かなバラード「Love Song」と「Remembering」の2曲は、このセッションのために書き下ろされたと伝えられています。

参加メンバー

ギター＋オルガン＋ドラムスといえば伝統的な「オルガン・トリオ」（ソウルフルなオルガン・ジャズの定番編成）ですが、本作の中身はまったく別物です。フュージョンの熱と、後に「ECM的」と呼ばれる叙情が混ざり合った、当時どこにもなかったトリオ・サウンドが聴けます。

• ジョン・アバークロンビー（ギター） … 本作がリーダー・デビュー作。エレクトリックとアコースティックを弾き分け、鋭さと繊細さを両立させています。
• ヤン・ハマー（オルガン、シンセサイザー、ピアノ） … マハヴィシュヌ・オーケストラ出身の鍵盤奏者。後に『マイアミ・バイス』のテーマ曲で世界的ヒットを飛ばす人物ですが、本作ではキャリアでも屈指と評されるオルガン演奏を聴かせます。
• ジャック・ディジョネット（ドラムス） … マイルス・デイヴィス・グループで名を上げた名手。爆発力と繊細さを自在に行き来し、トリオの推進力を担っています。

全曲解説

オリジナル盤は全6曲、ボーナストラックのないシンプルな構成なので、1曲ずつじっくり見ていきましょう。

1. Lungs（作曲：ヤン・ハマー）

ハマー作の高速フュージョン・ナンバーで幕を開けます。スタッカートの効いたオルガン、ディジョネットの爆発的なドラム、そしてアバークロンビーの鋭いギターが火花を散らす、アルバム中もっとも激しい演奏です。中盤ではシンセサイザーやフランジャー（音をうねらせるエフェクト）のかかったギターを交えて場面が転換し、グルーヴとロックの中間を突き進みます。オルガンとギターがソロを交換し合う応酬も聴きどころです。

2. Love Song（作曲：ジョン・アバークロンビー）

一転して、アコースティック・ギターとピアノだけによる静謐なデュオ。冒頭の熱気を鎮める清涼剤のような存在で、対話を思わせる2人の繊細なやり取りに、アバークロンビーのリリカルな側面が早くも表れています。

3. Ralph’s Piano Waltz（作曲：ジョン・アバークロンビー）

3拍子のワルツを、ハモンド・オルガンがグルーヴィーに支えます。ギターとオルガンが互いのフレーズを鏡のように模倣し合う構成が印象的です。タイトルの「ラルフ」はギタリストのラルフ・タウナーのことで、タウナー宅の留守番中に書かれた曲と伝えられています（両者は1976年にデュオ作『Sargasso Sea』を発表します）。この曲は後年までアバークロンビーの代表曲の一つとして演奏され続けました。

4. Red and Orange（作曲：ヤン・ハマー）

再びハマー作の熱いフュージョン曲。「バッハが1970年代まで生きていたら」と評されるような、バロック的な運動性とファンクを併せ持った演奏です。ここでのハマーのオルガン・プレイは、評論ガイド『The Rolling Stone Jazz Record Guide』でも「驚くべき火力と気品」を備えた屈指の名演と絶賛されました。

5. Remembering（作曲：ジョン・アバークロンビー）

2曲目「Love Song」と対をなす、ギターとピアノのデュオです。繊細なテクスチャー（音の質感）が幾重にも重なっていく美しさは、アルバム後半の静かなハイライトといえるでしょう。

6. Timeless（作曲：ジョン・アバークロンビー）

アルバムを締めくくる長尺のタイトル曲。シンセサイザーのドローン（持続音）と浮遊するギターによる瞑想的な導入から、徐々に音の厚みを増していきます。後のECMを象徴する「静のジャズ」を予告するような内容で、アルバム全体の余韻を決定づける1曲です。

聴きどころ・なぜ名盤なのか

本作最大の魅力は、その振り幅です。「Lungs」「Red and Orange」の燃えるようなフュージョン、「Love Song」「Remembering」のアコースティックな内省、そして両者の中間を漂う表題曲「Timeless」。普通ならアルバムの統一感を壊しかねない組み合わせが、3人の音楽性の深さによって一つの世界としてまとまっています。AllMusicのスコット・ヤナウが「示唆に富み、時に興奮を呼ぶ、おおむねカテゴライズ不能な音楽」と評したとおり、どのジャンルの棚にも収まらないことこそが本作の個性です。

評価も折り紙付きです。AllMusicは5つ星中4.5、定番の評論ガイド『The Penguin Guide to Jazz』と『The Rolling Stone Jazz Record Guide』はともに4つ星を与えています。発表当時にはロサンゼルス・フリー・プレス紙上でギタリストのリー・アンダーウッドが「深さ・スコープ・創意において大きな驚き。アバークロンビーが明日の重要な音楽的声であることを示している」と評しました。

ジャズギター史の観点では、マクラフリン以降のロック的エネルギーとECM的リリシズム（叙情性）を、一人のギタリストが1枚のなかで両立させた初期の重要作という位置づけになります。本作の成功でアバークロンビーはECMの看板ギタリストとなり、1975年にはデイヴ・ホランド、ディジョネットとトリオ「ゲイトウェイ（Gateway）」を結成、翌1976年発表の同名の傑作アルバムへと歩みを進めました。その後約40年に及ぶECMでのキャリアの、すべてがここから始まったのです。

こんな人におすすめ

• ECMのジャズをこれから聴いてみたい人 … 「静のECM」のイメージと熱いフュージョンの両方を1枚で味わえる、絶好の入り口だからです。
• フュージョン好きのギタリスト … ロック的な激しさと繊細なリリシズムの弾き分け、オルガンとのソロの応酬など、演奏面の学びどころが豊富です。
• ヤン・ハマーやジャック・ディジョネットのファン … 特にハマーは、キャリアでも屈指と評されたオルガン演奏をここで聴かせています。
• アバークロンビーを掘り始めたい人 … 後年まで演奏され続けた代表曲「Ralph’s Piano Waltz」や表題曲「Timeless」を含む、原点の1枚だからです。

まとめ

『Timeless』は、サイドマンとして生きるつもりだった一人のギタリストが、名プロデューサーの説得によって踏み出した最初の一歩です。そこに超絶技巧の2人が加わり、フュージョンの熱とアコースティックな静寂が同居する、どこにも分類できない音楽が生まれました。デビュー作にしてすでに「アバークロンビーにしか作れないアルバム」になっている点が、本作が名盤と呼ばれ続ける理由だと思います。

2016年にはECMから再発もされ、現在はサブスクリプションでも手軽に聴ける現役カタログです。まずは冒頭の「Lungs」で3人の火花に圧倒され、そのあと表題曲「Timeless」の浮遊感に身を委ねてみてください。半世紀前の録音とは思えない鮮度に、タイトルの意味をきっと実感できるはずです。

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ディ・メオラというギタリストの歩みについては、アル・ディ・メオラとは？（人物紹介記事）で詳しくまとめています。この記事では、その出世作となった『Elegant Gypsy』に焦点を絞り、制作背景から全曲の聴きどころまでを解説します。

アルバム基本情報

編成はギター、キーボード、ベース、ドラム、パーカッションによるクインテット（5人編成）が基本で、曲ごとにキーボードとドラムの担当が2組で入れ替わります。

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どんなアルバム？

『Elegant Gypsy』は、前年のデビュー作『Land of the Midnight Sun』（1976）に続くセカンド・ソロ作です。録音時点でディ・メオラはまだ22歳。チック・コリア率いる人気バンド、Return to Forever（リターン・トゥ・フォーエヴァー）の一員として名盤『Romantic Warrior』（1976）を世に送り出した直後の時期です。黄金期カルテットが活動を終えるなか、本作の成功が彼のソロ・キャリア本格化への転機となりました。

録音は、ジミ・ヘンドリックスが設立したニューヨークのエレクトリック・レディ・スタジオで行われ、プロデュースは本人が担当。ラテンやフラメンコの語法をフュージョンに大胆に持ち込み、ミュートを効かせた高速オルタネイト・ピッキング（ピックを上下交互に振り、右手で弦を軽く押さえて歯切れよく弾く奏法）というトレードマークを確立した、彼のスタイルの原点といえる一枚です。

本作最大のエピソードが、「Mediterranean Sundance」でのパコ・デ・ルシアとの初共演です。パコが初めてアメリカを訪れた際に録音されたもので、ディ・メオラ本人の回想（Guitar Player誌、2009年）によれば、ファースト・テイクの後にパコが一服してリラックスし、続くセカンド・テイクが決定テイクになったといいます。「魔法のような一度きりの演奏で、コントロールルームにいた全員が圧倒された」と本人が語る、まさに一期一会の録音です。

また、「Race With Devil On Spanish Highway」は、ディ・メオラが少年時代に弾こうとしたキンクス「You Really Got Me」のリフに着想を得たとされ、ロック少年としてのルーツも顔をのぞかせます。印象的なジャケットは、グラフィックデザイン界の大物ポーラ・シェアのデザインです。

参加メンバー

ベースとパーカッションがバンド演奏の4曲を支え、その上でキーボードとドラムの2組が曲ごとに入れ替わるという贅沢な布陣です。なお、アコースティック主体の「Mediterranean Sundance」と「Lady Of Rome, Sister Of Brazil」の2曲は、リズム隊なしで演奏されます。

• アル・ディ・メオラ（エレクトリック／アコースティック・ギター、ピアノ、シンセサイザー、パーカッション） … 本作の主役。全曲の演奏に加え、作曲・アレンジ・プロデュースも担う
• パコ・デ・ルシア（アコースティック・ギター） … フラメンコ・ギターの巨匠。「Mediterranean Sundance」のみに参加
• ヤン・ハマー（キーボード） … ミニムーグ（アナログ・シンセサイザー）を駆使する名手。「Flight Over Rio」「Elegant Gypsy Suite」に参加
• バリー・マイルズ（キーボード） … エレクトリック・ピアノとシンセサイザーで「Midnight Tango」「Race With Devil On Spanish Highway」を担当
• アンソニー・ジャクソン（ベース） … バンド編成の4曲すべてでリズムの土台を支えるエレクトリック・ベース奏者
• スティーヴ・ガッド（ドラムス） … 「Flight Over Rio」「Elegant Gypsy Suite」に参加
• レニー・ホワイト（ドラムス） … Return to Foreverでの同僚。「Midnight Tango」「Race With Devil On Spanish Highway」を担当
• ミンゴ・ルイス（コンガ、パーカッション、シンセサイザー、オルガン） … バンド編成の4曲に参加。1曲目「Flight Over Rio」の作曲者でもある

全曲解説

オリジナルLPは全6曲、作曲は1曲目を除きすべてディ・メオラ自身によるものです。

1. Flight Over Rio（作曲：Mingo Lewis）

ブラジルのカーニバルを思わせるパーカッシブなオープナーで、唯一の他人曲（パーカッションのミンゴ・ルイス作）です。ルイスのコンガ、スティーヴ・ガッドのドラム、ヤン・ハマーのミニムーグが交錯するラテン・フュージョンで、アルバムの熱気を一気に立ち上げます。

2. Midnight Tango（作曲：Al Di Meola）

タンゴの情感を下敷きにした一曲。バリー・マイルズとレニー・ホワイトの組による演奏で、ラテンの哀愁とフュージョンの推進力が溶け合います。アルバム前半の要となる一曲です。

3. Mediterranean Sundance（作曲：Al Di Meola）

パコ・デ・ルシアとのアコースティック・ギター・デュオで、本作のハイライト。ジャズとフラメンコの融合の金字塔と呼ばれる演奏で、後にジョン・マクラフリンを加えたライブ盤『Friday Night in San Francisco』（1981）のバージョンで世界的に有名になります。その原点がこのスタジオ録音です。

4. Race With Devil On Spanish Highway（作曲：Al Di Meola）

タイトルを訳せば「スペインの高速道路での悪魔とのレース」。その名のとおり、ミュートを効かせた高速リフとスリリングな展開が続く、本作を代表するシグネチャー曲。速弾きギター史に残るナンバーです。

5. Lady Of Rome, Sister Of Brazil（作曲：Al Di Meola）

嵐のような前曲の後に置かれた、短いアコースティック小品。「メロディとテクニックのバランスはアルバム随一」という評もある、ディ・メオラの叙情面が凝縮された間奏曲的な存在です。

6. Elegant Gypsy Suite（作曲：Al Di Meola）

組曲形式のクローザー。ヤン・ハマーとスティーヴ・ガッドの布陣で、静と動を行き来しながらアルバムを締めくくる大作です。タイトル曲にふさわしい、本作の集大成です。

聴きどころ・なぜ名盤なのか

まず何よりも、超絶技巧をフュージョンの中心に据えたスタイルの確立です。ミュートを効かせた高速ピッキングは本作でトレードマークとして定着し、その影響は後の速弾き系ロック／メタル・ギタリストにまで広く及んでいると指摘されています。エレクトリックの疾走とアコースティックの叙情、この振れ幅の大きさがアルバムを最後まで飽きさせません。

もう一つの柱が、「Mediterranean Sundance」によるジャズとフラメンコの越境です。パコ・デ・ルシアとの共演は『Friday Night in San Francisco』へと続く流れの出発点となり、この1曲だけでも本作は歴史的な価値を持つといえます。

評価と実績も折り紙付きです。AllMusicは5点満点中5点を付け、Guitar Player誌ではベスト・ギター・アルバムに選出。Billboard 200で58位、ジャズ・アルバム・チャートで5位を記録し、RIAAゴールド認定（50万枚）に到達しました。重量盤LPでの復刻に加え、40周年ツアーの模様を収めた本人の再演ライブ盤『Elegant Gypsy & More Live』（2018）も登場するなど、いまなお愛され続けています。

こんな人におすすめ

• 速弾き・テクニカル系ギターが好きな人 … ミュートを効かせた高速ピッキングの原点。ロック／メタル系リスナーにもおすすめです
• 『Friday Night in San Francisco』が好きな人 … あの「Mediterranean Sundance」のオリジナル・スタジオ録音を、誕生の瞬間の空気ごと味わえます
• ラテンやフラメンコの香りがするギター音楽を探している人 … タンゴ、ブラジル、地中海と、ラテンの語法がアルバム全体を貫いています
• フュージョンの名盤を順に聴いていきたい初心者の人 … 全6曲・約37分とコンパクトで、フュージョン・ギターの魅力が一枚で見渡せます

まとめ

『Elegant Gypsy』は、22歳のアル・ディ・メオラがReturn to Foreverでの濃密な経験を経て作り上げた、若さと完成度が同居するセカンド・アルバムです。超高速のエレクトリック・リフ、叙情的なアコースティック、そしてパコ・デ・ルシアとの一期一会のデュオ。フュージョン史における「ギター・アルバム」の一つの頂点です。

派手な技巧に耳を奪われがちですが、聴き込むほどにメロディの美しさと構成の巧みさが立ち上がってくるのも本作の魅力です。まずはハイライトの「Mediterranean Sundance」から、そして「Race With Devil On Spanish Highway」の疾走感へ。聴き終える頃には、きっとディ・メオラというギタリストの虜になっているはずです。

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